viernes, 30 de diciembre de 2016

Análisis de Discografías (De lo Peor a lo Mejor) - Capitulo 8: Creedence Clearwater Revival

Las épocas de fiestas son ideales para escuchar Creedence en Argentina. Una vez terminada la comilona, el brindis y los fuegos artificiales, las mesas se corren, el "Chronicles Vol. 1" se pone en su aparato de reproducción de cabeceras y se arma un baile jovial que dura hasta altas horas de la madrugada del inicio del nuevo año.  Por eso, los invitamos a terminar este 2016 escuchando y analizando los 7 discos que John Fogerty y su banda hicieron en apenas 5 (!) años.

7°) Mardi Gras (1972)

El único disco malo que firmó la banda fue el que terminó su historia. Para 1972, un Tom Fogerty frustrado por no poder aportar a la banda decide irse y empieza a crecer las tensiones entre su hermano John y el resto del mundo Creedence (Fantasy Records y los otros miembros). El resultado de esta pelea es el único disco de Creedence donde Fogerty cede algo de su dominio musical en la banda. Aquí comparte la producción con Cook y Clifford, los deja componer y los deja CANTAR. El resultado fue penoso, rescatandose apenas las composiciones de John: El furioso rocker de cierre "Sweet Hitch-Hiker" y la balada "Someday Never Comes" (que tampoco alcanzaba a las gemas anteriores del grupo). Olvidable disco, ni siquiera el bueno de Fogerty le tiene aprecio.




6°) Creedence Clearwater Revival (1968)

El debut de Creedence presentó a la banda como una rara avis en medio de la explosión psicodelica en su país y en el nuevo sonido heavy que se estaba desarrollando en Inglaterra. John Fogerty no tenía ningun tipo de aspiración en ser como Dylan o Jim Morrison. El tocaba Rock And Roll furioso y lleno de blues pantanosos, en sus palabras "americanizar lo que Beatles hicieron en sus inicios, ya que no tenian el dinero para imitar lo hecho por los Fab Four en sus discos recientes.
Este debut homonimo está compuesto por varias originales y algunos covers. Las versiones igual son los grandes highlights del disco con descarnadas y definitivas tomas de "I Put A Spell On You" (con una performance de Fogerty inolvidable en la guitarra y la voz) y "Suzie Q" (el primer hit de la banda).
Las originales presentaban el sonido clásico de la banda. Un rock rememorante de los primigenios Elvis y Little Richards, pero con un toque mas sureño, pantonoso y el virtuosismo de Fogerty a la hora de la ejecución de los instrumentos, sostenido por la competente base ritmica de la banda.
Este fue el auspicio comienzo de CCR, pero todavía faltaba lo mejor.



5°) Pendulum (1970)


Ninguna banda en el mundo puede asegurar tener una hot streak mejor que la de Creedence entre 1969 y 1970, donde fue la banda mas grande del mundo. CINCO discos de desorbitante nivel fueron editados en apenas 2 años. John Fogerty se levantaba y componía un hit, era el mejor compositor del planeta entonces. Esa racha compositiva vio su última buena cosecha en "Pendulum", el único disco de Creedence donde no hay ninguna versión.
Una joya subvalorada en su discografía, "Pendulum" es el disco mas variado sonoramente en la trayectoria de la banda.  Sumandole pianos, órganos Hammond y secciones de viento a su repertorio, Creedence se despegue de su rock pantanoso y mira sonidos mas movidos y sentidos.
Por supuesto que el core del sonido CCR sigue en canciones como el furibundo opener "Pagan's Baby", un tour de-force de 6 minutos lleno de guitarras y el vozarron de Fogerty, pero inmediatamente "Sailor's Lament" y "Chamaleon" llevan las cosas a otros lados, con vientos y un hammond mucho mas promimente.
Las cosas se reestructuran con "Have Your Ever Seen The Rain?" el último himno de la banda y una de las mas grandes canciones de la historia del rock, una conmovedora composición de Fogerty, quién sigue con ritmo suaves pero mucho mas soul con "(Wish I Could) Hideaway", con un gran trabajo de los teclados.
"Born To Move" es de los rockers mas logrados del disco con saxo, Hammond y guitarra armonizando a la perfección., y que sirve de antesala a otro clásicos de la banda "Hey Tonight", adictiva pieza con memorable melodía. "It's Just A Though" da otro tinte soul y "Molina" es otro mini clásico, con su peculiar estribillo.
Lo único que termina afeando el disco es el innecesario instrumental "Rude Awakening" y sus 6 minutos de soporifera musica.



4°) Willy And The Poor Boys (1969)

El glorioso año 1969 de Creedence, incluyendo dos discos ultra éxitosos, una participación muy celebrada en Woodstock y salir en el show de Ed Sullivan, cerraba con su 3er (!!!) disco editado ese año, que no bajaba la vara de lo editado hasta entonces.
"Willy And The Poor Boy" es el disco mas orientado al country de la banda, esto se palpa desde el opener "Down On The Corner", pasando por las brillantes versiones de "Cotton Field" y "The Midnight Special" y pequeñas joyitas como "Feelin' Blue" y "Don't Look Now".
Por supuesto, el rock no se ausenta y se muestra en su mejor forma con "Fortunate Son", uno de los mas grandes himnos de la banda y de su era, iconica sobre la protesta ante la absurda guerra de Vietnam y con una fuerza demoledora que la hace eterna. Y ademas, la banda muestra su lado mas bluseros en "Effiggy" la joya olvidada de su discografía, hendrixiana con un Fogerty desatado, haciendo alguno de sus mejores solos de guitarra y una tensión emocionante en cada nota. Los 2 instrumentales "Poorboy Shuffle" y "Side O' The Road" no aportan mucho al disco y se hacen algo largo, aunque el último trae lo mas pantanoso del disco.


3°) Green River (1969)

Para el 3er disco de la banda, John Fogerty había encontrado su sonido y su corazón como compositor. Añadiendole un toque Country exquisito y un sonido mas crudo y duro, casi hard rockero. Ademas que como letrista, Fogerty adopta un tono mas denunciante y sombrío.
Por eso, me atrevo (?) a decir que "Green River" es el primer disco de Grunge de la historia. Favar, si hasta usaba camisas a cuadro Fogerty y aquella banda fundacional donde estaban Stone Gossard y Jeff Ament se llamaba así. Y el title track destila grunge, con su iconico riff y esa melodía que los Hollies robarían  impunemente para "Long Cool Woman".
El rock sigue con "Conmotion", un furibundo rockabilly con ácidas guitarras de John y "Tombstone Shadow" con una onda mas blusera y un trabajo descomunal del lider de CCR en voz y las 6 cuerdas.
Luego el disco se toma un detour por los nuevos aires country con la conmovedora "Wrote A Song For Everyone" (diganme si no hay un germen de los Alice In Chains y Pearl Jam mas calmos) y dos clásicos imperecederos como "Bad Moon Rising" y "Lodi". "Cross-Tie Walker" tiene esa onda country pero con un ritmo mas rockabilly.
Con "Sinister Purpose" vuelve el Blues pantanoso y oscuro, con un trabajo demencial de la banda sosteniendo los punteos y el swing de la voz de John. Y "The Night Time Is The Right Time" da cierre con una nueva descarnada versión, en este caso de un clásico de Ray Charles, mostrando al mejor Fogerty, cantando con toda la pasión posible (?).
Con "Green River", Creedence se afianzaría como unos de los popes de la nueva movida rock estadounidense, terminando por ser uno de los numeros mas memorables del festival de Woodstock.



2°) Bayou Country (1969)

La leyenda de Creedence como la gran banda americana de rock se forja con este disco. Aquí John Fogerty se pone en su personaje de hombre de los pantanos y logra trasladarlo a la perfección en el sonido, forjando las bases de lo que en unos años se concretaría como Rock Sureño de la mano de gente como los Allman Brothers, ZZ Top o Lynyrd Skynyrd.
"Bayou Country" también tiene los primeros grandes clásicos de la banda y deja entrever la dictadura que ejerce John Fogerty en la banda como lider, único compositor, cantante, guitarrista principal, showman, productor y cara visible.
"Born On The Bayou" te embarra los oídos desde el inicio con ese riff rimbombante y la fenomenal interpretación de un Fogerty poseido por los espiritus vudus de Louisiana.
"Bootleg" es un clásico tema de Creedence que te cautiva al igual que te da ganas de bailar, mientras que "Graveyard Train" en tour de force blusero de 8 leeeentos minutos que se hace un poco largo pero poco importa cuando detras viene una visceral versión de "Good Golly Miss Molly", con un riff demencial y FOgerty bordando la insuperable performance del padre fundador del Rock And Roll.
En la 2da parte nos encontramos con la brillante "Penthouse Paper", un energico ejercicio de blues al mejor estilo de los grande guitar heroes que vinieran en la siguientes decadas, y por supuesto: "Proud Mary", la obra definitiva de Fogerty y el legado de Creedence a la música. Una interpretación descomunal, una melodía inolvidable y  un estribillo iconico que lo volvería una de las mejores canciones de todos los tiempo. (luego potenciada por el descarnado cover de Ike y Tina Turner)
El disco cierra con" Keep On Chooglin'", otro jam extendido pero mucho mejor y mas energico que el anterior, que luego terminaría siendo una fija en los conciertos de la banda, de Fogerty solista y de ese currazo impresentable llamado Creedence Clearwater Revisited.
Con este disco, CCR sentó las bases de su sonido y arrancaría su camino a ser la banda mas importante de su país en apenas un año.


1°) Cosmo's Factory (1970)

Luego de 3 discos ganadores en 1969, Creedence estrenaba la década con oooooootro discos, el 5to de la banda. La exigencia de John Fogerty se había vuelto tal que Doug "Cosmo" Clifford empezó a llamar al estudio como "The Factory". John devolvió el "alago" usando el nombre para el disco.
El bautizado "Cosmo's Factory"es por lejos el mejor disco de Creedence. Es un disco impecable de punta a punta, donde los clásicos se mezclan entre descomunales versiones y deep cuts brillantes.
"Ramble Tamble" es el perfecto opener, con toda la maquinaria Creedence en full form y Fogerty tirando riffs gruesisimos en una intensa progesión de acordes que se van fundiendo hasta un emotivo solo de guitarra.
"Before You Accuse Me" y "Ooby Dooby" son versiones de blues y rock and roll que Creedence hace suya, pero quedan empequeñecidas antes la bestialidad sonica de "Travelin' Band", de mis favoritas del grupo y que encuentra a la banda adaptando los desbocados rocanrroles de los 50's a los tiempos que corren.
"Lookin' Out My Back Door" es una encantadora pieza musical y la mejor incursión de CCR al country, con un ritmo bien machacón y el slide de Fogerty haciendo estragos, mientras que "Run Thorugh The Jungle" es otra de las canciones inspiradas en Vietnam, donde con un oscuro riff y erizantes armonicas, Fogerty te traslada a la selva y te hace oler el napalm que azotaba al Viet-Cong.
La 2da parte del disco es un poco mas variada, con "Up Around The Bend" rockeando el mejor riff de la banda y una melodía matadora, definitiva de un Fogerty inmenso en la voz. "My Baby Left Me" es otro correcto cover de rockabilly que se termina perdiendo ante la impactante belleza de "Who'll Stop The Rain", con Fogerty en su versión mas Dylanesca, emocionando hasta al mas duro. También emociona mucho la apasionante balada soul "Long As I Can See The Sun", con el saxo salando las heridas mientras una desgarradora performance vocal de Fogerty te emociona hasta las lagrimas.
Pero la estrella del disco, sin duda alguna, es la última versión: "I Heard It Through The Grapevines", un clásico de Marvin Gaye con el que Creedence termina quedandose, con una rocosa reversión muy bien ejecutada por la banda (gran trabajo de la base ritmica)  y con un Fogerty abismal, tanto en su interpretación que borda la de Gaye con su impresionante solo de guitarra de casi 6 minutos demostrando toda su virtuosidad en el instrumento, uno de los mas subvalorados guitarrista de la historia.
Creedence fue una estrella fugaz de apenas 5 años (3 sacando el olvidable Mardi Gras), pero ese poco tiempo le bastó para quedar en la historia como una de las, sino LA mejor banda de Rock Americano de todos los tiempos.


viernes, 23 de diciembre de 2016

Análisis de Discografías (De lo Peor a lo Mejor) - Capitulo 7: The Beatles

Nos metimos con los Stones, obvio que nos vamos a meter con los Beatles. En nuestra sección de análisis de discografía, nos pondremos a ver dentro de los 13 albums editados y tratar de ordenarlos en su casi perfección. Acompañenos a este Magical Mystery Tour por la discografía de la banda mas grande de la música.

13°) Yellow Submarine (1969)

Los Beatles tienen discos malos? La respuesta es sí, y es este que tenemos acá. Basicamente no es un disco, sino mas bien un sountrack para una de las lisergicas películas que acostumbraban promocionar. Pero anteriormente han hecho sountracks y las cosas han salido mas que bien.
Aquí se nota que la banda no estaba para nada interesada en el trabajo y apenas dieron a conocer 4 canciones nuevas para el proyecto (el resto del disco se compuso con el soso title track, "All You Need Is Love" y trabajos orquestales de George Martin). De las cuales 2 eran descartes de Harrison que tenían de discos anteriores y 2 nuevas de Lennon/McCartney.
"Only A Northern Song" y "All Together Now" son canciones olvidables, pero "It's All Too Much" rankea entre las mejores trabajos de George con muy buenos guitarrazos y "Hey Bulldog" salva al disco del ostracismo con un riff demoledor, un solo furioso y uno de los últimos momentos de John y Paul felices en la banda. Casi tan olvidable como la película animada que le dio nombre.


12°) Beatles For Sale (1964)

El momento mas bajo de la Beatlemania en su punto mas alto. Con "A Hard's Day Night" rompiendo todos los charts del planeta, los Beatles fueron y sacaron su 2do disco en un año y el resultado fue un retroceso de lo que se venia logrando.
"For Sale" encuentra a los Beatles dejando un poco los coritos optimistas y edulcorados que lo llevaron a la banda y  mucho mas influidos por Bob Dylan en ese entonces. La triada inicial "No Reply", "I'm Loser" y "Baby's In Black" eran de lo  mas oscuro que habian grabado los de Liverpool hasta entonces, mostrando la evolución de Lennon en su composición. De hecho John toma la batuta del disco y cantando en 8 de las 14 canciones del discos, incluyendo el celebrado cover de "Rock And Roll Music" de su idolo Chuck Berry y el mayor clásico del disco "Eight Days A Week".
Las originales se sostienen a pesar de ser definitivamente inferiores a las que venian haciendo y los covers son buenos, a excepción del universalmente castigado "Mr. Moonlight" catalogada como la peor canción grabada por los Fab Four.
Quizá el disco hubiera crecido mas si dejaban pasar un tiempo o si se incluian los exitosos singles de la banda de entonces "I Feel Fine" (uno de los mejores riffs de la banda) y "She's A Woman"


11°) With The Beatles (1963)

Al igual que "For Sale", el 2do disco de los Beatles sufre el salir casi sin respiro luego de lo que fue su explosivo debut "Please Please Me", y por ende sus canciones pierden fuerza en comparación al anterior discos. 
A pesar de eso "With The Beatles" incluye alguno de los momentos mas iconicos de la Beatlemania como "All My Loving", "Please Mr. Postman", "I Wanna Be Your Man" (luego grabada por los Stones, aquí cantada por Ringo) y "She Loves You", hitazos desde día 1.  Y ademas incluye alguno de sus mejores covers como "Long Tall Sally" (con Paul bordando la perfección vocal de Little Richard), "Roll Over Beethoven" (extrañamente cantada por George, que luce su talento en el punteo rockabilly),  "Money (That's What I Want)" (brillante momento de John) y "You've Got A Hold On Me" (con los 3 Beatles cantantes compartiendo microfono), que ayudaron a cimentar a la explosión final de la locura por la banda en un año.


10°) Help! (1965)


El último eslabón de la Era Beatlemaniaca de la banda es un soundtrack para alguna de las peliculas cómicas que hicieron en el pico de la fiebre Beatle en el mundo. Pero a diferencia de "Yellow Submarine", aquí se ve una dedicación especial de la banda en la composición, y así salieron alguna de las gemas mas duraderas de su trayectoria.
"Help!" incluye su iconico title track, cantado por Lennon, con ese estridente inicio y su adorabla transición posterior, y varias gemas de la música pop como "The Night Before", "You're Gonna Lose That Girl", "You've Got To Hide Away" o "I've Just Seen Your Face".
También se incluye "Ticket To Ride" una de las mejores canciones del cuarteto, con un riff clásico y un solo brillante de George, y por supuesto "Yesterday", el gran despegue de Paul como compositor, quién empezaría a tomar la batuta de la banda en detrimiento de John, quién acá se da el gusto de meter su último rocker furibundo con el cover brillante de "Dizzy Mizzy Lizzy", qué pondría fin a los Bealtes como banda beat/rockabilly para darle inicio a una banda mucho mas completa, que cambiaria los parametros de la música popular.



9°) Let It Be (1970)

El último disco de los Beatles es el mas problemático. Por empezar, no es el último que grabaron. "Let It Be" nace inicialmente como "Get Back", el proyecto con el que Paul McCartney quería rescatar a una banda que se caía a pedazos y que no podia tolerarse mas. Tras lo que fueron las sesiones del White Album (con Lennon y McCartney grabando cada uno por su cuenta), Paul empezó a tirar ideas para limar las asperezas: Un gran retorno a tocar en vivo, grabar un disco en una localidad remota, etc. Pero la que quedó fue hacer un disco volviendo a las bases, a hacer un rock mas simple, como el de sus inicios, y que todo sea filmado para un documental. El resultado no pudo ser peor, el disco terminó por no conformar a nadie y la banda decidió empaquetar todo y ponerse a escribir lo que terminaría siendo "Abbey Road". 
Ya como "Let It Be", el disco terminó saliendo cuando los Beatles ya estaban separados y la producción del disco quedó a cargo del aclamado productor Phil Spector, quién agregó su famoso "Wall Of Sound" y orquestaciones a las canciones, lo cual enfureció a McCartney, quién dijo que Spector arruinó el espiritu del disco.
Así y todo, "Let It Be" conserva el espiritu de "volver a lo básico" de la idea original, con grabaciones en vivo, y adaptando una base mas blusera para crear las canciones (por momentos rememora a los trabajos bluseros de los Doors, sin la virtuosidad de los californianos). El problema es que no logran ser tan memorables como lo eran en sus inicios o en esta última etapa. "Two Of Us", "Dig A Pony" o "One After 909" son muy lindas y buenas canciones, en especial la segunda, Black Crowesca, pero no quedaron en el imaginario de nadie que no sea fan de los Fab Four o un acerrimo melomano musical.
"Across The Universe" y "Don't Let Me Down" (que reemplaza en la versión "Naked" a los insólitos e innecesarios rellenos "Dig It" y "Maggie Mae"), por otro lado, muestran los últimos resabios de genialidad de Lennon en la banda, revisitando por última vez la época psicodelica y con un medio tiempo lleno de feeling, en una performance vocal conmovedora.
George aporta lo suyo con la brillante "I Me Mine", el blues mas logrado del disco, con guitarras filosas y viscerales teclados de Macca, y el lindo numero country "For Your Blue", embellecido por el Lap Steel Guitar que toca John.
Pero es Paul quién se lleva el grueso del disco con las tres mejores canciones acá: El archi famoso title track, una de las canciones definitivas de la música popular, el que iba a ser el title track original "Get Back", un gentil Rock And Roll, con guitarras brillantes y unas vocales smooth exquisitas de McCartney. Y la joya del disco "I've Got A Feeling", un heavy Blues con una descarnada performance del bajista y un puente brillante cantado por Lennon, contrastando con el optimismo de la letra de Paul. Los 3 tracks tienen una destacada participación del bueno de Billy Preston, que sumo sus teclados a la sesión para destensionar el clima entre los Fab Four (sin mucho exito).
"Let It Be" fue el fallido back to basic del grupo mas grande de la historia y temrinó siendo una agridulce para la banda, que no pudo tomarse revancha con una reunión.


8°) Please Please Me (1963)

Uno escucha el debut de los Beatles, lo contextualiza y llega a entender porque desató la locura que desató. Para 1963, el Rock And Roll estaba practicamente extinto. Los principales exponente del genero estaban dispersos en otras cosas o problemas. Mientras sus idolos deliraban, los Beatles se curtían dando salvajes shows en Hamburgo y pegandola con 2 singles en Inglaterra que le permitieron el contrato para grabar un disco entero.  
"Please Please Me" era un disco de rock and roll, pero con una calidad nunca antes vista. Y que tenía un sentido de la melodía similar a los artistas Motown como los Temptations. 
Clásicos instantaneos como "I Saw Her Standing There", "Love Me Do", "Do You Want To Know A Secret", "I Want To Hold Your Hand", "P.S. I Love You", el title track, y por supuesto "Twist And Shout" moldearon el sonido original Beatle y revivió al rock and roll como música popular. Y sería la piedra angular para una revolución musical de apenas 6 años.



7°) Magical Mystery Tour (1967)

En el pico de su etapa psicodelica, Paul McCartney tuvo la idea de realizar una película sobre la aventura de un grupo titulada "Magical Mystery Tour", para la cual los Beatles compusieron un soundtrack con nuevo material. Y el resultado quizá sea las mejores muestras de Psicodelia por parte de la banda.  Lennon y McCartney componen alguna de sus mejores materiales para la banda, a pesar de que su relación se empezaba a desquebrajar.
John se despachó con 3 de los mas grandes himnos de su cosecha como son "Baby You're A Rich Man", "All You Need Is Love", "Strawberry Fields Forever" y "I Am The Walrus", la mejor canción del disco. 
Mientras que Paul regala alguno de sus cálidos números  pop adictivos como "Penny Lane", "Hello Goodbye", "Your Mother Should Know" y la encantadora "The Fool In The Hill".
Extrañamente, el punto flojo del disco lo da George con "Blue Jay Way", su aporte mas flojo a la discografía Beatle. Así y todo, el disco se sostiene por sus punto altisimos y entra entre lo mejor que haya grabado la banda.


6°) A Hard's Day Night (1964)

El 1er disco de material enteramente original de los Beatles es el mejor de la primera etapa del grupo. Y también es, en parte,un soundtrack para esas películas que hacían. Aquí John Lennon es la gran estrella del grupo, dominando el microfono y el terreno compositivo en 9 de los 13 temas que integran el disco.
"A Hard's Day Night" contiene alguno de los momentos mas resonantes de la Beatlemania: El title track, himno mundial de la histeria rockera, "Can't Buy Me Love", una de las mejores composiciones de todos los tiempos de Paul, "And I Love Her, "If I Fell", "I Should Know Better" y una de las joyas mas lindas de sus primeros años: "Any Time At All", un dueto sentido entre los 2 popes de la banda.
Ademas, este, su 3er disco, es el que los termina convirtiendo en superestrella. Lograron capitalizar al máximo lo que fue su paso por USA y el show de Ed Sullivan y se convirtieron en estrellas mundiales e iconos de la música. Si la carrera de los Beatles hubiera terminado acá ya serían leyendas, pero faltaba bastante mas para analizar.


5°) Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967)

Apa, polémica (?). Hartos de tocar en vivo entre un griterio espantosos, los Beatles tomaron la decisión de no tocar mas en vivo y dedicarse integramente al estudio. Con total libertad, los Beatles expandieron infinitamente su sonido experimentando e innovando tecnicas nunca antes vistas en la música. El primer disco que muestra eso es "Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band", que no, no es el mejor disco de los Beatles, pero es el disco que cambia el juego en el Rock como formato grabado.
George Martin y Geoff Emerick son tan responsables del disco como los 4 Fab Four.
Aquí McCartney tuvo la idea de hacer un album como si fuera la presentación de una banda ficticia. La banda del club de los corazones solitarios del Sargento Pimienta es una banda inmersa en la psicodelia. Ya los Beatles se habian despegado del Beat y el Rock en sus últimos discos, aquí todo se pasa por el filtro del LSD, y el resultado es grandioso.
El viaje arranca con el energico title track cantado por Paul (tan bueno que Jimi Hendrix le hizo una versión a los 2 días de salir el disco) y rapidamente nos pega dos de los tracks mas celebres de la banda "With A Little Help From My Friend" (cantada por Ringo y empequeñecida por la colosal reversión que hicieran Joe Cocker en unos años) y "Lucy In The Sky With Diamond", otro himno maravilloso de John Lennon, quién fue el que mejor aprovechó está época. Cada aporte que hizo fue mas que valioso.
A continuación se incluye una triada de canciones de Paul "Getting Better", "Fixing A Hole" y "She's Leaving Home", donde el bajista explora por sonidos rockeros, psicodelicos y mas suaves. Aunque los flashes de está última parte del lado A del primer disco se los vuelve a llevar una composición de John "Being The Benefit Of Mr. Kite", un tema mas sombrioy misterioso con una extraordinaria melodía y deliciosa instrumentación.
El lado B incluye el punto debil del disco, el aporte de George "Within You Without You" es un soporifero ejercicio de música hindú, que se torna intolerable a lo largo de CINCO minutos (y hubo gent que paró esta locura, porque iba a durar treinta). Por suerte Paul sale al rescate con 2 gemas pop como "When I'm Sixty Four" y "Lovely Rita", pero es de nuevo Lennon quien pone al disco al top otra vez con la energica "Good Morning Good Morning", que tiene uno de los mejores solos de guitarra de la banda (tocado por Paul) y cuyo jovial ritmo se pega muy bien con el reprise de "Sgt. Pepper", un festival de coros y guitarras ruidosas que pasan desapercibidos antes la inmensidad de "A Day In The Life", la mejor canción de la historia de los Beatles. Una obra de arte hecha codo a codo por Lennon y McCartney y adornada a la perfección por George Martin, el genio encubierto en esta historia. 
"Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band" no es el mejor disco de los Beatles como se suele decir. Es un disco brillante, donde los Beatles realmente crecen como instrumentistas (el trabajo de Ringo es tremendo) y que tiene el mejor momento de la banda, pero en los consiguientes discos de este ranking, los Fab Four logran juntar canciones mas fuertes o un conjunto mucho mas poderoso que 



4°) Rubber Soul (1965)

En sus primeros 2 años, los Beatles fueron el furor del momento. Tal cual son estas boy bands manejadas por Disney que enloquecen a adolescentes con hormonas descontroladas. Pero en 1965, el maquiavelico manager de la banda, les soltó un pocó la correa y en vez de tener que envolverse en escandalos burdos y ordinarios, los Fab Four grabaron el mejor disco de la historia del Pop.
"Rubber Soul" es la joya mas encantadora de la discografía de los Liverpoolenses mas famosos, es el disco donde Lennon/McCartney pegan el salto como compositores. De imitar lo que hacian sus idolos y músicos que gustaban, los Beatles empiezan a marcar el sonido de la época reflejandose un poco en sus contemporaneos (o rivales en este caso como eran los Beach Boys o los Byrds). 
El rock se reduce bastante pero está en retazos en todo el disco como en el opener "Drive My Car", mi favorita personal del cuarteto, con una melodia infernal y un McCartney estupendo, quién domina la primera parte del disco con joyas como "Michelle" o "You Won't See Me, ademas de la frenetica "I'm Looking Through You" en la 2da parte y los singles "Day Tripper" (y su iconico riff) y "We Can Work It Out"
Pero de nuevo, Lennon es quien se carga el disco con espectaculares canciones como "Nowegian Wood (The Bird Has Flown)" (con el revolucionario uso de la sitar por parte de George Harrison), "Nowhere Man", "Run For Your Life", "The Word", "Girl" y por supuesto "In My Life" una de las mas bellas composiciones de la música, con una dulce interpretación y un delicioso clavicordio.
George, por su parte, empieza a brillar como compositor con bonitas canciones como "Think For Yourself" mientras que Ringo recibe un extraño credito junto a John y Paul en "What Goes On".
"Rubber Soul" es uno de los discos mas influyentes de la historia de la música, cambió para siempre el concepto de como hacer músical comercial y adentró a los Beatles a un trabajo de estudio que daría sus mejores frutos en los siguientes discos.


3°) The White Album (1968)


El album blanco podria ser sin ningun problema el mejor disco de los Beatles. La totalidad de sus puntos mas fuertes podrian armar uno de los 10 mejores discos de todos los tiempos. Lamentablemente, estuvo la idea de hacerlo doble y por tanto, hay muuuucho relleno y alguna de las peores cosas que hayan graban los Fab Four en su carrera.
Tras irse a un viaje espiritual a la India, los de Liverpool volvieron aún mas peleados de lo que estaban pero musicalmente muy inspirados. Los Beatles eran como esponjas, que absorbian todo lo que le rodeaban y en el album blanco vuelcan todo lo bueno y malo que daba vuelta por la escena musical en 1968.
Sin embargo, el disco da inicio con un rock and roll furibundo como no se veian desde sus primeros años. "Back In The U.S.R.R." es un demoledor rocker de McCartney donde el bajista hace practicamente todo, incluyendo un furioso solo de guitarra y la batería, en la ausencia de un Ringo Starr que se había ido del grupo. Lennon ofrece una contracara mucho mas calma con "Dear Prudence", inspirada en la hermana de Mia Farrow y su experiencia en el descanso de India, y remata con una de las grandes joyas ocultas de la banda "Glass Onion", con tintes psicodelicos, pero una descomunal melodia y una letra autobiografica del grupo (y que dejaba ver las tensiones con Paul, cada vez mas visibles desde la muerte de Brian Epstein).
Tras un arranque brillante, el disco atraviesa quizá alguno de los puntos mas bajos de la historia de la banda: La espantosa "Ob-La-Di-Ob-La-Da" fue pegada por el inentendible reseño lisergico "Wild Honey Pie" y luego por la pobrisima "The Continuing Story Of Bungalow Bill" donde John empieza a dejar meter a su flamante novia Yoko Ono en su música, con resultados horribles (en especial porque la deja cantar).
Por suerte, George Harrison viene al rescata con una de las mejores canciones, no solo de su autoria, no solo de los Beatles, sino de la historia de la música. "While My Guitar Gently Weeps" es una dramatica pieza musical donde la excelencia desborda por todos lados. La interpretación de George es hermosa, cristalina, y que empalma muy bien con la instrumentación y el colosal trabajo de su amigo Eric Clapton en uno de los solos de guitarras mas iconicos del Rock. Mientras tanto, Lennon limpia su imagen con "Happiness Is A Warm Gun" una compleja obra musical de altisimo calibre. Multipartes, guitarras distorsionadas, melodias erizantes. Una canción que tiene 50 años pero suena como si hubiera sido grabada ayer.
La cara 2 del disco incluye la simpatica oda de McCartney a su perra "Martha My Dear", la fascinante critica social de George Harrison "Piggies" (una pieza de Pop Barroco que sería detonante en la mente de Charles Manson para su famosa serie de crimenes), brillantes trabajos acústicos por separado de Lennon y Macca: la oscura "I'm Tired" y la espectacular "Blackbird", una de las mejores piezas de Paul, qué brilló en el siguiente track "Rocky Racoon" volcandose un poco mas al Country y en la divertida pastilla blusera "Why Don't We Do It In The Road?" con una brillante performance vocal.
Sobre el final, una poco lograda composición acústica de Paul "I Will" sucede a la primera composición propia de Ringo para la banda "Don't Pass Me By" divertida y en la onda de "Rocky Racoon" y precede a "Julia", la respuesta de Lennon a "Blackbird", una pieza intimista con una gran performance de John.
La cara 3 es la mas fuerte del disco, simil a la cara 1, arrancando con un rock and roll a la antigua como "Birthday" con furibundas guitarras y Paul compartiendo microfono con John como en las mejores épocas. Le sigue uno de los puntos mas fuertes del disco: "Yer Blues" la composición Grunge premonitoria de Lennon, con una desgarradora interpretación y un sonido, pesado, contundente y aturdidor, como si sangrara cada guitarrazo que se da.
"Mother's Nature Son" es otro trabajo acústico y solitario de Paul inspirado por el viaje a India, pero poco logrado, por suerte Lennon repunta con la frenetica "Everybody's Got Somehting To Hide Except For Me And My Monkey" y la espectacular "Sexy Sadie", inspirada en la siniestra figura del Maharishi, a quién John no tenia en la mejor estima al parecer.
El punto mas sobresaliente igual lo da Paul con "Helter Skelter". Una pieza que arrancó como una respuesta a "I Can See For Miles" terminó siendo la piedra fundacional del heavy metal con una performance demoledora de toda la banda, destacando el trabajo en voz y guitarra de Macca, la aplastante labor de Ringo en la batería y el bajo de 6 cuerdas que aporta Lennon, clave para el sonido larger than life que tiene la canción (y lamentablemente para que le mueva del todo la cabeza al amigo Charles Manson). La cara 3 da cierre con "Long Long Long" de Harrison, su canción menos inspirada del disco.
La última parte del disco se sume un poco en el caos: "Revolution 1" es la toma acústica del single editado por fuera del disco (algo en la onda de las Voodoo Child de Hendrix), "Honey Pie" es la toma buena de aquel pastiché horrible de la primera parte, un muy muy lindo numero de Music Hall que le queda perfecto a Paul, mientras que "Savoy Truffle" muestra al Harrison mas blusero y rockero, con adicitivas guitarras, teclados y vientos que la vuelven uno de los grandes highlights del disco.
"Cry Baby Cry" es una pieza clásica de Lennon al piano y el ritmo trepidante, creciendo en dramatismo con la voz. Pero John echa por borda todos sus buenos aportes con la peor canción jamas grabada "Revolution #9". un collage de ¿ruido? de casi 9 minutos que te hace pensar si el disco se rayó en esa parte. El cierre con Ringo cantgando el conmovedor lullaby "Good Night" deja gusto a poco para tamaña obra.
"The Beatles" o el White Album tiene los momentos mas fuertes de su discografía, pero también los mas debiles y su duración es un problema. Sacando todos los rellenos y añadiendoles los singles que salieron junto al disco (la brillante "Lady Madonna", la versión rockera y furiosa de "Revolution" -con un solo tremendo de Nicky Hopkins en el piano electrico-, y por supuesto, uno de los mas grandes himnos beatles: "Hey Jude" y su legendaria coda) hubiera sido el mejor disco de la banda y quizá, el mejor disco de todos los tiempos.



2°) Revolver (1966)


En 1966, la música Rock se empezó a diversificar en una insensante cantidad de sub generos. El genesis de todo eso se encuentra en "Revolver". Con eso solo podria explicarse la magnitud y genialidad del disco. Pero igual nos vamos a meter en el viaje que proponer.
Toda una rareza, el disco arranca con un tema de George, y mas raro aún es un tema ultra rockero. "Taxman" es de lo mas cerca que ha estado el cuarteto del Rock duro, con un riff brillante y un solo demoledor, mas la adictiva melodía que propone Harrison.
"Eleanor Rigby" es otra cosa muy distinta. Es McCartney en su máximo esplendor como compositor pop. El dramatico arreglo de cuerdas y su bellisima interpretación hace que sea una de las mejores canciones de todos los tiempos.
Lennon es el que nos introduce en la psicodelia con "I'm Only Sleeping" uno de los primeros ensayos de los Fab Four en el genero, quienes se meten con música exotica (lo que luego se conocería como "World Music") en otra composición de George "Love You To".
La primera parte del disco se termina con otra gema pop de Paul "Here, There And Everywhere", el clásico de Ringo "Yellow Submarine", que por soso no deja de ser iconico, y una maravillosa composición de John "She Said, She Said" con muy linda melodia de guitarras.
"Good Day Sunshine" no dice mucho a pesar de ser una aceptable canción, pero "And Your Bird Can Sing" es una maravilla de canción, con guitarras gemelas buenisimas en el riff principal. "For No One" levanta el aporte de Paul, con una composición tipica del bajista y "Doctor Robert" sigue el hilo de las composiciones de Lennon, y es otro winner por supuesto, con buenas guitarras de nuevo.
George da su último al disco con la calida "I Want To Tell You", mas en su estilo y da paso para que Paul y John cierren el disco. Paul con la Motownesca "Got To Get Into My Life" y John con la mejor canción del disco: "Tomorrow Never Knows", la entrada definitiva de los Beatles a la psicodelia y uno de las canciones mas revolucionadoras del Rock. Es psicodelia, pero también podria haber sido un tema de Zeppelin en "Houses Of The Holy" (la bateria de Ringo es espectacular y la voz doblada de Lennon se asemeja a la de Plant distorsionada) o un tema de electronica.
Mención también a los singles "Paperback Writer", un rocker adictivo de Paul y "Rain", el B-Side mas celebrado de la banda, con otro trabajo colosal de Ringo en las bateria y una melodía clásica de John.
"Revolver" es todo lo bueno de Rubber Soul y Sgt Pepper combinado, pero así y todo no puede superar a la obra maestra suprema que hicieron los 4 de Liverpool


1°) Abbey Road (1969)

Tras 2 caoticas sesiones de grabación (para "The White Album" y para el proyecto "Get Back" devenido luego en "Let It Be"), Paul McCartney tuvo la enesima idea de organizar a la banda una vez mas y terminar las internas infernales.
A pesar de que no terminaria funcionando, Paul logró arreglar una tregua con todos y convenció a George Martin y Geoff Emerick de volver a trabajar con la banda para grabar un album "como los de antes".
"Abbey Road" tiene las tensiones de los últimos discos de los Beatles, pero tiene el encanto que los Beatles trabajan realmente juntos a lo largo del disco, a pesar que parezca que se usan mutuamente como sesionistas.
Paul McCartney es el alma mater del disco. Es quien vampiricamente (para pesar de John y en especial George) lleva los hilos de la banda en el disco y la fuerza compositiva detras del sonido de los Fab Four aquí, ya sea con sus 2 composiciones para la primera cara del disco como para el medley final.
A pesar del liderazgo de Macca, el resto tiene su momento de lucidez, y son de sus picos mas altos como compositor: Lennon aporta el opener "Come Together" el tema mas celebre del disco y uno de los grandes clásicos de la banda. Con una melodía implacable, una linea de bajo letal y estribillo efectivo, John firmaba un hito en la cultura popular. Además, también aportó "I Want You (She's So Heavy)", una mole de casi 8 minutos que gira alrededor de letras simplonas y un riff hipnotico (mas un trabajo estelar de toda la banda junto al bueno de Billy Preston en el órgano) que para muchos es un antecesor del Doom Metal ni mas ni menos, y "Because", una angelical pieza minimalista que lo encuentra cantando junto a Macca y Harrison.
George, por su parte, da al disco 2 de sus mas grandes momentos como compositor: La balada "Something", una erizantes canción de amor, con una performance bellisima de Harrison y un solo exquisito. Y la jovial "Here Comes The Sun", una oda al optimismo y la buenaondisima que exudaba George con su música.
Hasta Ringo se luce en el disco (con algo de ayuda de George) en la adorable "Octopus's Garden", una versión (muy) superior de "Yellow Submarine".
Pero volviendo a McCartney, Paul se despachó con el siniestro music hall "Maxwell's Silver Hammer" y la apasionante oda a New Orleans "Oh! Darling", con la mejor performance de su carrera, dejando la garganta en cada estrofa. Pero ademas, su trabajo como bajista en el disco es sublime, quizá de los mejores de la historia.
El medley merece un parrafo aparte, porque es el por qué "Abbey Road" es la obra definitiva de los Beatles. 9 canciones que podrian ser descartes o rellenos en cualquier lado, fueron unidas en un collage por la banda y George Martin y lograron darle forma a una pieza de 16 minutos gloriosa. Desde "You Never Give Me Your Money" y sus polirritmicas secciones pasando por los excentricos aportes de Lennon (la hermana pequeña de Because , "Sun King", la mas jovial y funky "Mean Mr. Mustard" y la rockera "Polythene Pam") y cerrando con la obra definitiva definitiva de Paul McCartney como uno de los mejores compositores de todos los tiempos: "She Came In Through The Bathroom Window", un pasional relato de stalkerismo de las fans de la banda que se funde en la emocionante "Golden Slumbers" que retoma donde inició todo gracias a la himnica "Carry That Weight" (donde los 4 Beatles cantan en el coro) y el final a toda orquesta con "The End", un furioso rocker, la última vez que los 4 compartieron un estudio, y donde los 4 muestran su talento, con Ringo y su solo de batería y una batalla guitarrera entre Paul, George y John, para que Macca de cierre a la banda mas grande de la historia con una icónica frase "And in the end, the love you take is equal to the love you make" armonizada por un mini solo de Harrison. "Her Majestic" no dice mucho, pero pasó a la historia como el primer hidden track de la historia.
"Abbey Road" fue la última vez que los Beatles estuvieron juntos, luego vendrian años de peleas, egos y agridulces reuniones entre ellos, pero decidieron irse por la puerta grande. Y vaya que lo hicieron.









viernes, 16 de diciembre de 2016

Análisis de Discografías (De lo Peor a lo Mejor) - Capitulo 6: The Rolling Stones

Continuamos con nuestras listas de discografías de las grandes bandas que han pasado por el blog. Y en el último post del año en el blog, nos RE subimos a la cresta de la ola y nos hundimos a repasar la vasta discografía de los Rolling Stones, desde su primer disco en 1964, hasta el fresquisimo "Blue And Lonesome" que salió hace dias. Sumense a este viaje de drogas, peleas, circos, leyendas urbanas, sexo, despilfarro y mucho mucho muchisimo rocarrol a traves de los 25 discos editados hasta hoy por sus satanicas majestades.

25°) Undercover (1983)

Los Rolling Stones han sobrevivido a todo en su longeva carrera musical, pero hasta a ellos los 80's casi les cuesta la vida. Tras entrar con 2 discos en 2 años y bastante suceso, los Stones volvian al estudio y eran atacados por los aires de la nueva New Wave. El siempre emprendedor espiritu de Mick Jagger no dudo en subirse a esa moda, pero un Keith Richards ya sobrio de sus adicciones, empezaba a tener mucha mas participación y opinión dentro del estudio y no compartía para nada la visión de su camarada, creando los primeros graves roces de su relación. La visión de Jagger terminó imponiendose y con la ayuda del productor Chris Klimpsey, los Stones sonaban como una banda de la New Wave, para desgracia de todos.
El estilo no pegaba para nada con la banda, y las experimentaciones en otros ritmos sonabas extrañas y bastante poco logradas (en especial lo que era el Reggae).
Lo peor es que Undercover tiene un solido arranque con sus primeras 3 canciones, que son buenas pero poco memorables. Y luego es una espiral a de lo peorcito que ha grabado la banda en un estudio. Como "Some Girls". pero exactamente a la inversa.


24°) Dirty Work (1986)

A menudo considerado el punto mas bajo de la banda, Dirty Work encontraba a los Stones aún mas peleado que antes y con un Mick Jagger bastante decidido a dejar la banda para iniciar su carrera solista (que por suerte nunca despegó). Con un Jagger bastante ausente y un Charlie Watts recuperandose de sus adicciones (aunque no parezca, Charlie también supo ser un hombre salvaje), el disco cayó sobre las espaldas de Keith Richards y de Ronnie Wood, lo cual no suena mar en un principio, ya que el disco tiene toda la intención de retornar a las raices rockeras. Si no fuera porque cuando Jagger apareció por el estudio, se empeñó con que el disco sonara moderno y con el productor Steve Lillywhite le puso el sonido mas pastiché espantoso y ochentoso que pudo.
Al igual que su antecesor, "Dirty Work" tiene un buen arranque, pero se empieza a venir a pique con performance forzadas y de muy 2da mano, que dejan en claro lo mal que estaba todo para cuando se grabó este disco.  Pero a diferencia de "Undercover", aquí encontras un hit como la versión de "Harlem Shuffle" y un temazo total como "One Hit (To The Body)", realzado por unos solos incinerante de Jimmy Page.
Alegremente, tras esto, el 2do disco de Jagger fracasaría y el 1ro solista de Richards triunfaría, llevando a una reconciliación entre los 2 popes que traerian muchas alegrias a la banda.


23°) Their Satanic Majestic Request (1967)

Siempre se dice que Brian Jones nunca tuvo voz y voto en los Stones, que es manejada casi dictatorialmente (?) por la dupla Jagger/Richards. Quizá aquí se encuentre la respuesta.
La psicodelia había llegado para querarse y todos la estaban usando muy bien. Los Stones no se quisieron perder la fiesta y fueron derecho a empaparse de jipismo y LSD. Brian Jones fue quien se cargó el disco al hombro, arreglando y sumandole cuanto instrumento pudiera tocar a las composiciones de Mick, Keef y Bill Wyman (!) sumando creditos por "In Another Land" donde incluso llegar a cantar (!!).
La incursión a la psicodelia de los Stones es mayormente un desastre, un trabajo poco inspirado y como que la banda no sabia muy bien lo que hacía. El mismisimo Jones declararía en una entrevista que el disco era como "Un caos compactado".
A pesar de todo, "Their Satanic Majestic Request" tiene momentos de brillantes notables: "Citadel", una canción de proto-hard Rock Hendrixiano, "2000 man" (que luego sería versionada por KISS en su disco "Dinasty"), la intrigante "2000 Light Years From Home" y por supuesto, la soberbia "She's A Rainbow", una obra maestra de la psicodelia que salva al disco, aunque no las ganas de los Stones de sumarse al movimiento. Al siguiente año, la banda retornaría a su sonido clásico para entrar en la etapa mas gloriosa de su carrera.


22°) Emotional Rescue (1980)

Emotional Rescue podrian haber sido uno de los discos que salieron en la deluxe edition de "Some Girl" hace unos años, pero los Stones decidieron usar los sobrantes de su obra maestra de hace 2 años y ponerlas para armar un nuevo disco. Los sobrantes son los tracks mas rockeros y Stonianos, mientras que el nuevo material incluía cuestiones mas experimentales, relacionadas con el sonido disco que enloquecía a Jagger. El resultado es bastante dispar, los temas rockeros son buenos, pero no tan memorables como los de "Some Girls" ("Summer Romance" es la mejor) mientras que los tracks bailables son un tanto confusos, como que no se terminó de cerrar la idea. Lo peor, ninguna balada del disco está buena o siquiera se le acerca a lo que fue "Beast Of Burden".
Para suplantar todas las irregularidades, "Emotional Rescue" tiene momentazos como el title track (y el hipnotico falsete de Jagger), el descarnado blues de "Down In The Hole", la ya mencionada "Summer Romance" y por supuesto "She's So Cold", un clásico instantaneo de los Stones que nos develó las capacidades de baile del bueno de Mick.


21°) Bridges To Babylon (1997)

Tras volver a los primeros planos con sus últimos 2 discos, los Stones volvieron a intentar estar a la moda y por eso Jagger contrató quince mil productores distintos ademas de Don Was. Eso fue lo peor que le pudo pasar a "Bridges To Babylon", un disco que suena a diez mil cosas y no logra la armonía que necesita un disco.
A pesar de incluir puntos bajisimos en su composición, "Bridges To Babylon" se termina sosteniendo con algunos grandes temas como "Saint Of Me", "Out Of Control", la polémica pero ultra-efectiva "Anybody Seen My Baby" y la rockera "Flip The Switch". Lamentablemente, 62 minutos es una locura para un disco con poca inspiración y termina haciendolo sonar denso y ultra pesado.


20°) December's Children (And Everybody's) (1965)

Uno de los miles (?) de discos que lanzaron en sus primeros discos, y el mas flojo de esa primera etapa. "December's Children" es un rejuntado de canciones que se perdieron en las distintas ediciones del Reino Unido y USA. Con un primer lado compuesto casi enteramente de electrificantes covers, el disco tiene su fuerte en su lado B con las composiciones originales de Jagger y Richards, donde destacan la explosiva "Get Off My Cloud" y la encantadora "As Tears Goes By", compuesta con el productor Andrew Loog Oldham. Practicamente, un disco editado para tener como excusa a esos dos singles no sueltos en America.


19°) It's Only Rock And Roll (1974)

La era de Mick Taylor fue la mas brillante y prolifica de la historia de los Rolling Stones. Pero en su final encontró un punto bajo, en parte porque Keith Richards ya estaba bastante cansado del bueno de Mick y le saboteó todo el trabajo que podía. Aquí la banda empieza a buscar mantener el "sonido Stones" y lo logra sobradamente en su primera mitad. Con un arranque demoledor junto a "If You Can't Rock Me", "Ain't Too Proud To Beg" y el tema quintaessential de la discografía Stone "It's Only Rock And Roll" y ademas incluyendo la maravillosa "Time Waits For No One" donde Taylor se despachó con un solo de antología. Ron Wood ya estaba llevando sus cosas al campamento Stone, así arrancando una nueva era para la banda.




18°) 12 X 5 (1965)


El 2do disco de los Stones (o el 4to contando ambas ediciones de USA y UK)  era, como bien indicaba su titulo, una tirada de 12 canciones interpretadas por los 5 Stones (mas el bueno de Ian Stewart en el piano y el órgano) y que incluye las primeras composiciones originales de los Stones (poco memorables desde ya). Lo que termina sobresaliendo de este disco es lo muy buena banda de Rock y Blues que eran los Stones a tan joven edad y lo bien que se llevaban con la música negra americana (evidenciada en versiones devastadoras de "Time Is On My Side" y "It's All Over Now") pero todavía le falta algo de identidad a la banda, que se empezaría a ver en unos discos.


17°) Now! (1965)

Los Stones eran un gran gran boom para 1965, así que sacaron CUATRO discos ese mismo año. "Now!" es el que cierra una etapa de los Stones. La etapa inicial, donde la banda se resguardaba en covers y unos pocos originales.
Aquí sigue habiendo grandes versión de bluses y rocarroles (hicieron suya "Little Red Rooster" con un trabajo de Slide magistrla de Brian Jones), mientras que los Stones firman su primer gran clásico propio, la balada soul "Heart Of Stone", una gran muestra de lo bien curtido en R&B que estaba la banda. A partir de aquí, la banda crecería exponencialmente por casi una década.




16°) Black And Blue (1976)

Con la salida de Mick Taylor, una gran cantidad de postulantes se ofrecieron a ser el nuevo compañero de Keith Richards en las guitarras. Y los Stones no tuvieron mejor idea que audicionarlos mientras grababan su nuevo disco. Jeff Beck, Rory Gallagher, Steve Marriott, Peter Frampton, Mick Ronson, Leslie West, Chris Spedding, Wilko Johnson y Roy Buchanan probaron suerte para el puesto pero el ganador fue el bueno de Ronnie Wood, quién venía coqueteando desde 1973 con la idea de sumarse a la banda. Además, Harvey Mandel y Wayne Perkins pusieron solos en algunas canciones del disco.
La incorporación mas rutilante de la banda para este disco, sin embargo, es el gran Billy Preston quien está en 5 de las 8 canciones del disco, e inspiró algunas de las canciones del disco.
Dentro del disco, nos encontramos a unos Stones bastante variados y que se nota que improvisaron varias de las canciones.  Con coqueteos muy logrados con el funk ("Hot Stuff", "Hey Negrita"), espectaculares baladas ("Memory Motel" y "Fool To Cry", quizá de las mejores que hayan compuesto la banda) y algunas incursiones con el jazz ("Melody"), Reggae ("Cherry Oh Baby") y pequeñas dosis de rock ("Hand Of Fate" y "Crazy Mama"). Es un disco "loosely" por momentos, que tiene momentos fuertes, pero termina sufriendo la falta de un hit stoniano clásico.



15°) Voodoo Lounge (1994)

Cuando a fines de los 80's, Mick Jagger y Keith Richards revivieron su eterna amistad, los Stones estaban decididos a volver a conquistar el mundo ooooootra vez. "Steel Wheels" les limpió el polvo que juntaban desde "Some Girls", pero en su siguiente disco, Mick Jagger tenía decidido salirle a competir directo a popes como Kurt Cobain, Axl Rose o Liam Gallagher.
"Voodoo Lounge", con la producción del bueno de Don Was, le da un sonido sexual, peligroso y lleno de vida a la banda como no lo tenía desde... "Some Girls" justamente.
A pesar de pecar de largo (una constante de los disco de los Stones desde aquí en adelante) y de no tener todos los momentos de "Steel Wheels", aquí los Stones beben de lo mejor de los últimos discos solistas de sus jefes ("Wandering Spirit" y "Main Offender") y tiene un ataque demoledor en el arranque con la hipersexual "Love Is Strong", la demoledora "You Got Me Rocking" y la adictiva "Spark Will Fly". Y a esta altura, la ausencia de Bill Wyman ni se notaba (Wyman dejó la banda tras grabar los 2 singles que irían puestos en el gran "Flashpoint" -"Hardwire" y "Sex Drive"-).
Un momento de respiro con una tanda de baladas y medio tiempos donde se destacan la bellisima "Out Of Tears" y la encantandora "The Worst", con la firma de Keef.
En la 2da parte del disco, el rock vuelve con "I Go Wild" y "Brand New Car", los Stones se reencuentran con su amor por el country en "Sweethearts Together" y  un poco logrado coqueteo funky con "Suck On The Jugular". Pero lo mejor de esa parte viene de nuevo de la mano de Keef con la bestial "Thru And Thru", uno de los mejores cantados por el guitarrista, y "Blinded By Rainbows", la balada Stone mas encantadora desde "Beast Of Burden". "Mean Disposition" cierra el disco a todo trapo, mostrando que los Stones todavía se podian codear con los jovenes y que viejos... son los trapos.


14°) England's Newest Hitmakers (1964)

Con un titulo que todos esperarian de ellos, Los Rolling Stones se dieron a conocer al mundo con toda su desfachatez a cuesta. La banda formada por Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards, Bill Wyman, Charlie Watts y el agregado de Ian "Stu" Stewart en los teclados se presentaban como los chicos malos del reino unidos y que eran ferviente amantes del Blues y la música americana.
Aquí podemos apreciar alguna de las mejores versiones de la banda ("Not Fade Away", "I Just Want To Make Love With You", "Route 66", "Carol") y algunas escondidas gemas originales como la espectacular "Little By Little". UN debut un tanto subvalorado en el mundo de la música, pero que pinta a la perfección como se venian los que entonces aspiraban a ser la banda de rock mas grande del mundo.




13°) Blue & Lonesome (2016)

Fresquisimo, salido hace unos dias, el último disco de sus satanicas majestades se ubica bastante alto en la  tabla de su discografía para sorpresas de mucho. Los Stones todos sobrepasan los 70 años, con las vidas que ya todos saben que tuvieron (incluyendo consumo de TODO lo que está prohibido  hasta caidas de un coco (!) o suicidio de una esposa) pero cuando uno creía que le habían puesto fin a su carrera, en 2012 iniciaron un nuevo regreso celebrando sus 50 años (y sacando 2 lindos temas nuevos como "Doom & Gloom" y "One More Shot"), metieron conciertos multitudinarios, giras por todo el mundo y de la nada, en 2016 anunciaron que grabaron un disco nuevo en apenas 3 dias (!).
"Blue & Lonesome" es el disco que muestra mas vital a la banda desde "Some Girls". Ayudada por sus habituales colaboradores (Darryl Jones al bajo y Chuck Leavell en los teclados) mas el toque maestro del gran Eric Clapton en un par de temas, los Stones se vuelcan a su gran amor: el Blues y contra todos los pronosticos, Mick Jagger se roba el spotlight. Cuando uno esperaba a un Richards mas protagonista, junto a Woody, Jagger da la performance vocal de su vida a lo largo de 12 canciones y una ejecución magistral de la armónica, como para recordar lo muy bueno que es con el instrumento.
12 versiones aplastantes de todo tipo de Blues desfilan en un disco espectacular, con Keef y Ronnie  marcando el clima con unas descomunales lineas de guitarras y un Charlie Watts implacable en el ritmo. Los Stones estan mas vivos que nunca, y se preparan para reconquistar el mundo una vez mas.


12°) A Bigger Bang (2005)

El último disco de material original de los Stones (hasta la fecha, porque esta anunciado un nuevo disco para 2017)  es un trabajo bastante impresivo que realmente logra lo que los Stones fallaron en otros discos: Recrear el sonido Stones ("It's Only Rock And Roll"), volver a sonar crudos y rockeros ("Dirty Work") y sonar modernos ("Undercover" y "Bridges To Babylon"). La producción de Don Was da en el clavo una vez mas y el resultado es incluso superior al obtenido en "Voodoo Lounge".
"A Bigger Bang" peca de largo igual que sus 2 antecesores, pero aquí no hay un solo momento flojo y son realmente fuertes, compensando así también no tener los momentazos de "Voodoo Lounge" o "Steel Wheels". También se siente un poco la ausencia de Ronnie Wood, siendo un disco mucho mas de Jagger y Richards, con exquisitas baladas ("Street Of Love", "This Place Is Empty", "Biggest Mistake"), trepidantes numeros funky bailables (la irresistible "Rain Fall Down", "Look What The Cat Dragged In"), sinuosos numeros bluseros ("Back Off My Hand") y por supuesto, furiosos rockers peligrosos y excitantes ("Rough Justice", "Oh No, Not You Again", "Dangerous Beauty"). Incluso podriamos sumar la rutera "Don't Stop" que fue single unos años antes para el Forty Licks Tour. Si este fuera el final de los Stones como compositores, sería un gran final, pero por suerte se nos viene un capitulo mas pronto.



11°) Steel Wheels (1989)

Como en las mejores parejas, Mick Jagger y Keith Richards atravesaron una crisis violentisima a mediados y fines de los ochentosas. Se dieron con de todo, mas de una vez terminaron al borde de las piñas y cortaron comunicación entre ellos. Los Stones estaban en coma 4, pero un buen día, tras el fracaso total del 2do disco solista de Jagger y el exitazo del hermoso "Talk Is Cheap" de Keef, la dupla se tomó un viaje de reconciliación en las Bahamas y de ahí revivieron a los Rolling Stones.
"Steel Wheels" es el intento bien hecho de todo lo que salió mal en "Dirty Work". Son los Stones siendo los Stones, rockeando y ajustado a los tiempos que corren. Los riffs de Richards vuelven a tomar color, los estribillos vuelven a ser memorables y la banda está bastante ajustada.
"Sad Sad Sad" arremete rimbombante como los mejores openers de los Stones, mientras que "Mixed Emotions" es un nuevo himno stone, con Jagger y Richards compartiendo microfono para el estribillo como en las viejas épocas. "Terrifying" es esos tracks sinuosos y sensuales que le encantan a Jagger, con exquisitos punteos y groove irresistible.
"Hold On For That" y "Hearts For Sale" traen sabor blusero y rockero al combo, con gancho comercial. Puro Stone, como la encantadora "Blinded By Love", numero semi country acustico y maravilloso.
"Rock And A Hard Place" nos vuelve a sacudir con unos Stones tremendamente vibrantes en las guitarras , "Almost Hear You Sigh" es una balada encantadora, "Continental Drift" da un toque exotico con ritmos tribales y teclados, mientras que "Break The Spell" da el toque de blues mas puro. Pero la estrella de este lado del disco es Keef con sus 2 gemas "Can't Be Seen" y "Slipping Away", mostrando por el gran momento compositivo que estaba pasando. Un clásico poco valorado en los anales de la banda.


10°) Tattoo You (1981)

El siempre tan mentado último gran disco de los Stones es, extrañamente, un compilado de leftovers revisitados por la banda porque no le daban los tiempos para sentarse a componer y hacer una gira.
"Tattoo You" prueba 2 cosas: Que los leftovers de los Stones son mejor que la discografía de muchas bandas. Y que la banda cuando aplica su libreto es implacable.
Tomando cosas que sobraron de "Goats Head Soup", "Black And Blue", "Some Girls" y "Emotional Rescue", la banda decidió dividir el disco en un lado rockero y otro en un lado de baladas. El resultado fue demoledor. "Start Me Up" es la canción Stone por excelencia, hace historia desde el segundo uno con ese riff glorioso de Keith Richards. "Hang Fire" es sumamente irresistible, mientras que "Black Limousine" y "Neighbours" son crudas y crujientes. "Little T&A" es el pequeño rocanrroll que suele meter Keef, y obvio que aquí le sale delicioso. "Slave" es quizá la mejor incursión al Reggae que tuvo la banda, con Jam incluído.
El lado de baladas flaquea un poco con las poco inspiradas "Heaven" y "No Use In Crying", pero deja 3 gemas para el recuerdo en el imaginario Stone: "Worried About You" y "Tops" (con guitarras de Mick Taylor" y un falsete descomunal de Jagger) y "Waiting On A Friend", el himno a la amistad de Mick y Keef, con su icónico video y un solo de saxo para el recuerdo, cortesía de Sonny Rollins.
Los Stones ponian fin a su etapa clásica reconquistando el mundo. Cosa que no sería la última vez que hicieran.



9°) Goats Head Soup (1973)

Después de grabar la seguidilla de discos mas iconicas de todos los tiempos, los Stones tenían que seguir la dificil situación de superar 4 trabajos perfectos. No se suele valorar los sobrantes de la era Taylor como corresponde, en especial esta hermosa pieza musical de estrafalario nombre y rara portada.
"Goats Head Soup" es la gema perdida de su discografía. Es un disco donde los Stones se diversifican como nunca antes (sacando el ultra fallido "Their Satanics Majesties Request"). Hay primeros coqueteos con ritmos funkys/bailables, hay monstruosas baladas, hay incursiones en el Reggae (producto de que se grabó en Jamaica, uno de los muy pocos países en el mundo donde Keith Richards era bievenido) y por supuesto, hay descarnado blues y vicioso rock and roll cargado de sexualidad. Pero lo mas llamativo del disco es el toque oscuro que cubre todo el disco.
"Dancing With Mr. D" ya te situa en esa aura turbia, con un ardiente ritmo y unas guitarras que suenan irresistibles con el ritmo. "100  Years Ago" continua la onda, pero en formato mas blusero, con un Mick Taylor exorbitante. "Coming Down Again" nos muestra a Keef relatando su vida de yonki con un mediotiempo maravilloso. "Doo Doo Doo Doo Doo (Heartbreaker)" nos muestra a los Stones mas crudos, heavys y peligroso, con un Mick Taylor sodomizando su pedal wah wah y haciendo cosas demenciales con su guitarra en el mejor tema del disco, con una soberbia interpretación de Jagger.
"Angie", sin embargo, se llevó todos los flashes porque es LA balada por excelencia de los Rolling Stones. Una exquisita pieza acustica, con el piano aterciopelado de Nicky Hopkins, unos magistrales arreglos de cuerda y guitarras deliciosas de Keef y Taylor.  En Esa onda también nos encontramos la encantadora "Winter" con el mejor solo de Taylor en el disco y una sentida interpretación de Jagger.
"Hide Your Love" y "Silver Train" se llevan las posturas mas bluesy, mientras que el Reggae llega al mundo Stone con "Can You Hear The Music". El cierre con la ChuckBerryesca "Star Star", nos sacia las ganas de rockear con todo.  Este disco marcaría el fin de la asociación con Jimmy Miller y el inicio de una larga decadencia persona de los miembros de la banda.



8°) Out Of Our Heads (1965)

El despegue de los Stones se dio con esta maravilla de disco, donde la banda logra potenciar su calidad compositiva y empezar a despegar en América con singles propios.
Con un grueso de maravilloso covers de canciones soul, el disco resalta por tener la canción mas iconica de la banda "(I Can't Get No) Satisfaction" y el brillante single "The Last Time". Aquí los Stones mutan de ser una banda que hace versiones de Blues de Chicago y Rockabilly, a una banda propiamente dicha, con personalidad y guitarras mas de la época. Con el exito asegurado, los Stones darían el salto definitivo a la consagración musical con su siguiente disco



7°) Between The Buttons (1967)

En la absurda dicotomía Beatles-Stones se le suele pegar a los Stones por no tener la sensibilidad POP de los de Liverpool. Nada mas lejano que eso, porque en 1967, antes de desbarrancar en la psicodelia, los Stones graba uno de los mejores discos de Pop Rock de todos los tiempos.
Con un Brian Jones en su mejor momento como músico, y con Jagger/Richards cada vez mas afianzados como dupla compositiva, los Stones se embeben de sus contemporaneos y les sale un disco descomunalmente britanico.
La magnifica "Let's Spend The Night Together" mezclando dulces melodias con la polémica que los caracterizabas, mientras que "Ruby Tuesday" quizá sea la canción pop definitiva, el piano está omnipresente en todos los temas y cada melodia es memorable e infernalmente pegadiza como se puede apreciar en "Yesterday's Papers", "Connection", "She Smiled Sweety", "Complicated", "My Obsession" o "All Sold Out" (los Pixies deben unas cosas o dos a esta canción).
Los Stones son Rock y Blues cachondo, pero con Brian Jones inspirados, podian crear las mas maravillosas melodias pops edulcoradas.


6°) Aftermath (1966)

Tras  pegarla con un tema propio como fue "Satisfaction", los Stones se animaron y crearon su primer disco con todas composiciones propias. Y realmente demostraron ser mucho mas que una competente banda que hacia covers de blues, rock y soul. Con un Brian Jones pletorico, haciendo gala de su multi-instrumentismo (tocando desde una sitar hasta un dulcimer, pasando por una marimba (!!)). Los Stones se meten con sonidos mas complejos y distintos, y salen muy aireosos.
La magistral y oscura "Paint It Black", la encantandora "Mother's Little Helper", los hermosos pasajes folkies de "Lady Jane" y "I Am Waiting", la maravillosa y jazzistica "Under My Thumb", la brillante "Out Of Time" muestra a los Stone en una vena no imaginada un año atras. Por supuesto el Rock y el Blues sigue presente, como el la brillante "Flight 505", "Doncha Bother Me", "Think" y por supuesto "Going Home", el tema que rompió los parametros de la música popular. 11 minutos de un jam que cambió al rock, mas por su duración que por su contenido.
Los Stones mostraban al mundo que eran mucho mas que los chicos malos, y a partir de acá pasarian algo verdaderamente mas grande.


5°) Some Girls (1978)

Explosión Punk en Inglaterra. Los pobres tipos de Johnny Rotten y Sid Vicious se pululaban por las televisión inglesa pidiendo el fin de "dinosaurios" en el rock como Led Zeppelin, Queen o los propios Stones. Mientras que los otros 2 estaban en el top de sus juegos, los Stones estaban en una decadencia notable tras tocar 2 picos.
Con la ida del notable Mick Taylor, un Mick Jagger mas inmerso en su vida social que en la banda y un Keith Richards en el pico de su adicción con las drogas, la banda se despedazaba mientras Wyman y Watts observaban con su habitual tranquilidad. Por suerte la llegada definitiva de Ronnie Wood traería el aire que estaban esperando. Con Jagger tocando la guitarra y llevando la fuerza creativa del disco, los Stones firman su última obra maestra, pateando a todas las nuevas tendencias musicales y demostrando porque son los mas grandes.
"Some Girls" arranca abrazando las tendencias disco con la demencial "Miss You", un riff inolvidable , el solo abrasivo de Saxo de Mel Collins, y el falsete de Jagger brillante como nunca, y termina dandole el middle finger a la juventud punk con la salvaje "Shattered". En el medio, una exhibición de Rock stoniano crudisimo y que reflejaba como nadie la New York de la época. Con Woody trayendo el sonido Faces (sumado también Ian McLagan en los teclados!), mas un Keith Richards tirando pequeñas muestras de su genialidad, los Stones nos regalan algunos de sus mejores rocanrroles como lo son "When The Whip Comes Down", "Lies", "Respectable" y una de las mejores canciones compuestas por Keef: "Before They Make Me Run".
El blues no deja de estar presente con el infame title track (con un trabajo de Armónica esplendido de Sugar Blue) y la banda revisita su lado country en la encantadora "Far Away Eyes".
El encantador cover de "Just My Imagination" le da algo de calma al disco, pero los flashes se los lleva "Beast Of Burden", el medio tiempo mas encantador que haya hecho la banda, con las guitarras esplendidas de Keef y un Jagger magnifico en la voz.
La edición de 2011 solo realza al disco, con muy buenos bonus tracks, con Ian Stewart mas presente aportando su piano honky tonk. El punto mas alto de la era Woods.



4°) Beggars Banquet (1968)

Los Stones no pudieron acoplar con la Psicodelia, así que decidieron volver a lo que realmente les salia del alma: El Rock y el Blues. En este disco daban inicio a su leyenda, que crecería solamente mas desde acá.
"Beggars Banquet" es quizá el disco mas blusero de los Stones, y es el último disco que Brian Jones graba con la banda. Ya bastante alejado por sus demonios internos, el talentoso músico era un ente que se pasaba por el estudio preguntandole a Jagger si podia aportar algo.
La ausencia de Jones hizo que los Stones empezaran a contratar músicos de estudios, como el enorme Nicky Hopkins, y que se le diera la producción al bueno de Jimmy Miller, quién sería el tipo que mejor le sacaría jugo a la banda.
Keith Richards se carga el grueso de las guitarras aquí, empezando a utilizar algo que se haría clásico en la banda: El colchón acústico a sus brillantes riffs. El gran trabajo acústico se puede ver a la perfección en "No Expectations" (con un Slide descomunal de Brian Jones, en su último gran aporte en la banda), el maravilloso blues de "Parachute Woman", la Dylanesca "Jig-Saw Puzzle", los pasajes mas Folk y Country del disco como "Dear Doctor". "Prodigal Son" y "Factory Girl", y por supuesto "Street Fighting Man", un clásico instantaneo, con guitarras que llaman al apocalipsis. "Salth Of The Earth" las incluye, pero menos notable, ya que la canción se resguarda en un sentimental dueto entre Keef y Mick, pidiendo una ayuda por un mundo que se cae a pedazo en un gospel estelar.

Parrafo aparte se merecen "Stray Cat Blues", "Jumpin Jack Flasj" y "Simpathy For The Devil". El primero el blues mas sexual y descarnizado que hayan cantado los Stones, con un Jagger desbocado, destilando sexualidad y las guitarras de Keef clavandose como puñales.
El 2do, un single adicitvo, con el mejor riff que haya sacando de sus manos Keith Richards y con una fuerza demoledora, como no tiene ningun otro tema de la banda.
Y el 3ro, es uno de las obras maestras mas grandes de la historia de la música. La introducción llevandote al mismisimo averno, con Jagger oficiando de Lucifer y Richards (quien toca el magistral bajo oído en la canción) de verdugo con esas descargas electricas que te erizan la piel, las percusiones que te derivan a la locura y los "woo-woo" creando la tensión chamanica. Una joya que dio inicio a la mejor época de los Stones, una época que pocas o ninguna banda pudo igualar.




3°) Exile On Main St (1972)


Tengo ganas de ser polémico (?), pero realmente "Exile On Main St" no es el opus máximo de los Stones. Es uno de los discos mas grandes de la historia, es un album 10 puntos, pero Jagger y Richards han escrito un mejor conjunto de canciones, y eso habla muy bien de ellos.
Escapando del fisco ingles, los Stones encuentran un sucucho en Francia donde se llevan a toda su troupe (y sus drogas) a grabar el disco que sucediera a "Sticky Fingers". Entre pase y pase, los Stones grabaron una obra inconmensurable.
"Exile On Main St" es el único disco doble de los Stones y es una obra que se comprenden en 4 partes, una por cada lado de los vinilos: Uno de Rock, otro de Country, otro de Blues y otro de Soul.
El lado de Rock se lleva todos los flashes con el mejor opener que los Stones hayan tenido en un disco: "Rock Off", con esas guitarras brillantes y el pianito adictivo de Nicky Hopkins. Las salvajes "Casino Boogie" y "Shake Your Hips", con sendos solos del enorme Bobby Keys. y por supuesto "Tumbling Dice", la canción mas Stone de todas, la que tiene el ADN de la banda. Una obra de arte.
El lado Country es quizá lo mejor, no solo de los Stones, sino de su genero. Con un Jagger dando pasionales interpretaciones, especialmente en "Sweet Virginia" y "Loving Cup". Por otro lado "Torn And Frayed" y "Sweet Black Angel" acompañan muy bien, manteniendo un hermoso maridaje entre las voces de Keef y Mick.
El lado Blusero le empieza dar lugar para deslumbrar al gran Mick Taylor, aunque el que arremete primero es Keef con su canción insignia "Happy", donde todo el grupo brilla. "Turd On The Run" parece escapada del otro lado, con un aire bien Country pero inmediatemente "Ventilator Blues" (el único credito que recibió Taylor en los Stones) nos devuelven al Delta de Chicago, mas pantanoso que nunca.  "I Just Want To See Your Face" es el tema menos logrado del disco, que no rescata nada, pero después "Let It Loose" remedia todos los males trayendo los aires Soul y una interpretación magistral de toda la banda.
Justamente el lado Soul trae el Rock de nuevo con la trepidante "All Down The Line", con un Taylor alucinante en el Slide, mientras que el cover de Robert Johnson "Stop Breaking Down" devuelve el Blues mas crudo, con Jagger brillando en la armónica, pero el final si desprende puro soul y gospel con la extraordinaria "Shine A Light", adornada con el toque del maestro Billy Preston y un solo para la historia del blondo guitarrista del combo,y "Soul Survivor", a puro coro gospel de negrazonas y Slides que son una caricia al alma.
El disco extra de nuevo material que se agregó, con "Plundered My Soul" a la cabeza, riza el rizo en un trabajo impecale, que en conjunto quizá sea lo mejor que haya grabado una banda, pero en su hora de duración no es tan fuerte y contundente como sus antecesores que analizaremos a continuación.


2°) Sticky Fingers (1971)

El primer disco pleno junto a Mick Taylor es el disco ideal para entrar a descubrir los Rolling Stones. Todos los condimentos de la banda se encuentran acá. Y de la era Jimmy Miller es el mas rockero de todos.
Arrancando con el jubilo rockero de "Brown Sugar", uno de los temas insignia de la banda, con el enesimo riff matador de Keef, un Jagger desbocado y por supuesto, el inolvidable solo de Saxo del gran Bobby Keys, una de las estrellas de este disco.
"Sway" baja los tiempos un poco y le da lugar para la primera genialidad de Mick Taylor en la banda, con un solo conmovedor, y las cosas siguen clamas pero demenciales con "Wild Horses", el mejor numero acústico de los Stones, con un trabajo brillante de las guitarras y un estribillo que eriza hasta al mas insensible.
"Can't You Hear Me Knocking" es la canción que le dio sentido a los Black Crowes, gracias a un riff brillante de Richards y una gran labor de Jagger que se termina fundiendo en un jam extraordinario entre Mick Taylor, Nicky Hopkins y Bobby Keys, un extasis musical de mas de 7 minutos.
"You Gotta Move" es el único cover del disco, un blues acústico de poco mas de 2 minutos, que termina sobrando en la inmensidad del disco.
Por suerte "Bitch" limpia todos los sinsabores con su Hard Rock desbocante y agresivo, con el mejor Jagger, y con un Keef afiladisimo en los solos. "I Got The Blues" vuelve a traer calma en la tormenta con la irrupción de un exquisito Billy Preston en el Hammond.
"Sister Morphine" y "Dead Flowers" le proporcionan el momento country al disco. La primera con un extraordinario trabajo Slide de Ry Cooder y la 2da siendo un himno de la banda sobre su turbulenta época con las drogas, con un estribillo para el recuerdo.
El disco cierra mostrando a la banda con su sensibilidad soul en "Moonlight Mile", con un Mick Taylor en su salsa y Jagger dando catedra en lo vocal, con una interpretación angelical que armoniza a la perfección con el conmovedor arreglo de cuerdas de la canción. El disco mas Stone de todos.


1°) Let It Bleed (1969)

Es simple: El mejor disco de los Rolling Stones es el mejor disco de Keith Richards. Quizá hasta sea uno de los mejores discos de un guitarrista en la historia de la música.  Keef hace TODO en "Let It Bleed", TODO. Brian Jones ya estaba ido de la banda y Mick Taylor recién se sumaba, por lo que la casi totalidad de las guitarras del disco son de Richards.
"Let It Bleed" es un disco con un sonido apocaliptico, propio de la época y que Keef supo como musicalizar las letras de Jagger. "Gimme Shelter"abre el disco con un grito de ayuda desesperado, musicalizado por el riff magistral de Richards, la mejor intro de la historia del Rock y un duento único e inigualable entre Mick y la gran Merry Clayton. El solo de KR riza el rizo y hace de esta la mejor canción de la historia de la banda.
"Love In Vain" es un logrado cover de Robert Johnson, con guitarras acústicas, fiddle, la mandolina de Ry Cooder y un delicioso Slide que le da un sabor mas Country. En "Country Honk", los Stones adaptan su descomunal single "Honky Tonk Women" (un clásico con su campana y su estribillo revienta estadios) a una vena mucho mas Folk/Country y calma que queda deliciosa, ademas incluye la primera participación de Mick Taylor en la banda con un Slide. La 2da incursión de Taylor sería en la libidinosa "Live With Me", descomunal canción de puro rock, con Nicky Hopkins y Leon Russell batiendose a un duelo de pianistas, con Keef en el bajo y la fulgurante aparición de Bobby Keys en el saxo.
El title track es el clásico olvidado de la discografía Stone, con un Slide descomunal de Richards, quién construye con una acústica y luego realiza furiosos punteos electricos en un final apoteosico junto al soberbio piano del bueno de Ian Stewart.
La 2da parte del disco arranca con la mejor incursión de los Stones en un blues: "Midnight Rambler" es donde Jagger mas destaca, desatado, llevando a la perfección el personaje y con una performance envidiable en la armónica, mientras Keef se bate a duelo a si mismo en un jam inolvidable, que incluye una de los últimos aportes de Brian Jones a la banda, tocando las congas.  El último aporte del fundador de la banda sería en la siguiente canción "You Got The Silver", la primera que Keef canta en soledad, una conmovedora baladita country donde Jones participa tocan un autoharp.
El final es con todo, "Monkey Man" lleva el sonido apocaliptico a morir, con un erizante pianito de Hopkins, un slide de Richards asesino y Jagger dando su mejor performance vocal, con su garganta dando todo en ese final donde parece que es manipulado por el mismo satanas. Y "You Can't Always Get What You Want" cierra el disco a pura clase, con una lección de soul y Gospel y un mensaje esperanzador. El coro angelical, que acompaña al desnudo comienzo de la canción y se funde en un animado outro con un gran trabajo de Al Kooper en los teclados.
La obra maestra de Keith Richards fue el punto mas alto de los Stones, nunca estuvo tan brillante nuestro héroe de la Telecaster. Y creemos que nunca lo volverá a estar así, aunque nunca se sabe que depare el nuevo disco de sus majestades satanicas, dispuestas a no dejar su trono como los mas grandes de la historia del Rock.