viernes, 27 de enero de 2017

Análisis de Discografías (De lo Peor a lo Mejor) - Capitulo 11: Cream

Seguimos analizando discografías a la espera de la gran noche de los MFB Awards, que está cada vez mas cerca, solo poco mas de una semana para la noche de las noches. Mientras tanto, hoy vamos a ahondar en la breve pero brillante discografía del supergrupo por excelencia: Cream. Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker redefiniendo la música en apenas 4 discos, y un bonus especial que veran mas adelante.

4°) Goodbye (1969)

Apenas 3 años después de su irrupción, Cream tuvo los problemas que tienen los supergrupos. Un choque de egos impresionante que no se puede sostener y que fuerza en la separación de estos siempre efimeros proyectos. En el caso de Cream, el drama llega porque las viejas asperezas entre Bruce y Baker crecieron al punto tal de hartar a Clapton, quién hacía las veces de mediador entre la base ritmica de la banda.
Entonces Cream hizo un velorio discográfico sacando su 4to disco en 4 años llamado lógicamente "Goodbye" donde, al igual que el anterior disco, incluiría  canciones nuevas y originales en el estudio y performance en vivo de la banda.
El resultado no es muy impresivo a decir la verdad, las canciones en vivo estan buenas (al fin al cabo, el gran fuerte de la banda era eso), pero no aportan mucho mas que algunos interesantes punteos de Clapton.
Las originales son el fuerte del disco. "Badge" es un clásico y es un suceso como siempre que Clapton une fuerzas con el querido George Harrison. "Doing The Scrapyard Thing" es una linda pieza psicodelica que tranquilamente podría haber estado en un disco de los Beatles, mientras que "What a Bringdown" cierra el disco y la carrera de Cream con un galopante y atrapante ritmo, manejado por los teclados y la fascinante voz de Bruce.
Esto sería lo último que hicieron los 3 juntos en estudios. Luego vendrian años de reuniones parciales (Clapton-Bruce; Bruce-Baker; Baker-Clapton) y en 2005 la única reunión que tuvo la banda en Londres donde dieron un concierto brillante.  En 2014, Jack Bruce fallecería de cancer y con él se irían todas chances de revivir a Cream.


3°) Fresh Cream (1966)

En 1966, el rock britanico ya había conquistado el mundo y estaba preparado para expandir horizontes mas allá. Mientras los Beatles, Stones, Who y Kinks enloquecían a los americanos, la escena blusera de Inglaterra se movía intensamente. En esa escena se encontraba un talentoso joven llamado Jack Bruce, quién había sido contrabajista en los Blues Incorporated de Alexis Korner y luego destacado bajista en la Graham Bond Organization, un grupo fundamental de Jazz Rock liderado por el afamado tecladista, que incluía en sus filas al virtuoso John McLaughlin y al baterista Ginger Baker, uno de los tipos mas respetados de la escena, con quien Bruce ya había coincidido en los Blues Incorporated y chocaría todo el tiempo, al punto de terminar en peleas con armas blancas (!). La GBO se disolvería y Bruce provaría suerte en otro sucucho fundacional del Blues, los Bluesbreakers de John Mayall, donde coincidiría con el músico mas afamado del Reino Unido: Eric Clapton, el saliente guitarrista de los Yardbirds, cuyo virtuosismo hizo que fuera considerado un "Dios" de la guitarra. Jack y Eric trabarían una entrañable amistad en la banda, que luego el bajista dejaría para tener un exitoso paso por Manfred Mann.  Ambos músicos cruzarían sus caminos nuevamente en la maravillosa Powerhouse, un jam estelar que incluía a Steve Winwood y Paul Jones entre otros celebres músicos.
En esa ida y venida, Ginger Baker se decidió armar un grupo propio y como primera medida invitó a Clapton para que sea su guitarrista. Eric aceptó pero le puso una condición al colorado percusionista: Que Jack Bruce integre la agrupación como bajista y cantante. Después de una tensa negociación, Clapton terminó imponiendose y armando la paz entre Bruce y Baker para que naciera el nuevo gran grupo britanico del momento.
Bautizado Cream por incluir a los mejores instrumentistas de la escena Blues/Jazz/Rock, el grupo rápidamente se metió al estudio a grabar su debut, que generó altas expectativas en la escena musical.
"Fresh Cream" es uno de los discos mas revolucionarios del blues britanico, con un sonido revolucionario y que muestra el talento de 3 instrumentista de primera clase tocando juntos. Bruce es quien lleva la batuta del grupo componiendo el grueso de las canciones, destacando la beatlesca "I Feel Free", la proto Hendrixiana "N.S.U." y la blusera "Sleepy Time Time". Ademas de cantar y brillar en el bajo, Jack aporta unos muy buenos momentos en la armónica.
Por su parte Clapton, se dedica arreglar los covers con impresionantes arreglos guitarreros que dan paso a electrificantes performance en "Spoonful", "Rollin' And Tumblin'" y "I'm So Glad", alguna de las mejores performance de Slowhand en su carrera.
Ginger Baker apenas aportar la Jazzy "Sweet Time" y el tema que cierra el disco: "Toad", pero este instrumental terminaría siendo altamente influyente, siendo la primera vez que un solo de batería tenía lugar en el rock (y que luego daría a solos interminables en vivo).
Así arrancaba el camino de Cream y cambiaría la vida de jovenes músicos como unos tales Jimi Hendrix o Brian May, nada mal no?




2°) Wheels Of Fire (1968)

Cream llegaba a la cima del mundo para 1968. Ni los Beatles estaban a su nivel. Llenaban salas en ambos lados del Atlantico, sus discos se vendían como pan caliente y la crítica los amaba. Ademas, los 3 miembros estaban en su mejor momento como músicos y compositores (en especial Bruce). Era el momento ideal para sacar un proyecto ambicioso y musicalmente complejo. Y obvio que lo hicieron. Junto al bueno de Felix Pappalardi acompañando otra vez en la producción, la banda empezó a trabajar en un disco doble, pero como vieron que se quedaron cortos, decidieron hacer un disco con temas de estudio y otro con temas en vivo, donde la banda se destacaba gracias a impresionantes jams.
"Wheels Of Fire" incluye todos los ingredientes de la banda: Blues virtuoso, Rock extravagante y psicodelico y ese incalificable intento de Pop que nunca les sintió bien.
El disco muestra a la banda perdiendole la mano a la psicodelia, en especial Jack Bruce, cuyas contribuciones no estan al nivel del disco pasado ("As You Said" es una soporifera pieza que no termina de identificarse) y las experimentaciones de Ginger Baker son menos logradas que en otros discos.
Por suerte Clapton salvó las papas con alguna de las mejores actuaciones de su vida, como en el opener "White Room" (uno de los mas iconicos trabajos de Wah-Wah de todos los tiempos), sus covers de blues arreglados "Sitting On The Top Of The World" y "Born Under A Bad Sign" y en las brillantes "Politician" (con unos delicados punteos que construyen en la rocosa bassline de Bruce) y "Deserted Cities Of The Heart", el tema mas subvalorado de la Crema, con un Clapton enorme sacando descargas electricas dentro del tormentoso ritmo.
Pero es el disco en vivo lo que hace a "Wheels Of Fire" es su parte en vivo, incluyendo poderosas tomas de "Toad" (con bestial solo de Baker) y "Traintime" (descarnizada labor de Bruce en Armónica) y las versiones definitivas de "Spoonful" y "Crossroad", incluyendo el mejor solo de la carrera de Slowhand.
El mejor Cream blusero está acá, Clapton alcanza las cotas de su trabajo con John Mayall y es la gran estrella del disco.


1°) Disraeli Gears (1967)

1967 fue el primer pico alto en la historia del Rock. Todos los discos claves del sonido de la época salieron ese mismo año: "Sgt Pepper", los debuts de los Doors, Grateful Dead, Traffic, Pink Floyd y Hendrix, "Surrealistic Pillow" y por supuesto: "Disraeli Gears", el mejor viaje de LSD de la historia. Hasta las manos de ácido, Cream decidió grabar su 2do opus y alejarse ligeramente del Blues Rock para abrazar el sonido psicodelico, con descomunales resultados.
"Disraeli Gears" es el único disco donde Eric Clapton compone música para Cream (exceptuando 2 canciones para "Goodbye) y donde Jack Bruce afianza su dupla compositiva con el letrista Pete Brown. También es el inicio de la colaboración del grupo con su historico productor, Felix Pappalardi, quién aportaría nuevas ideas a la banda.
El cambio se nota desde el vamos con ese 1-2 iconico que dan "Strange Brew" y "Sunshine Of Your Love", ya no es la banda de Ginger Baker con 2 sesionistas de lujo tocando canciones de Jack Bruce, es Cream con Eric Clapton al frente, haciendo sus primeras impresiones vocales y dando alguno de los mas iconicos momentos de su carrera, con solos y riffs demenciales. Estban rockeando, con Blues de base, pero algo distinto. 
La psicodelia adorna las siguientes 3 composiciones, "World Of Pain" y "Dance The Night Away" son gemas, con Clapton y Bruce armonizando juntos, minetras que "Blue Condition" tiene a Ginger Baker experimentando en nuevos sonidos y aportando su voz.
Pero el mejor momento del disco llega acá: "Tales Of Brave Ulysses" y "SWLABR" son dos de las mejores canciones del trío, es Cream tomando por LSD la experiencia de haber visto (y tocado) con Jimi Hendrix, con un Clapton desbocado, revolucionario, insuperable. "We're Going Wrong" nos baja a tierra, con un aura oscura y misteriosa, gracias a la cristalina voz de Jack Bruce. Un poco anticipando el Rock Progresivo.
Para el final, el disco se desvia para el lado mas blusero, con el arreglo de Clapton de "Outside Woman Blues" y la brillante "Take It Back", donde Jack Bruce tiene su momento de lucidez con la armónica. El final queda a cargo de esa divertida copla etilica llamada "Mother's Lament", con los 3 miembros de la banda cantando casi a capella, con un divertido piano de apoyo.
Con este disco, Cream se convirtió en la banda mas grande del mundo por propio derecho, mas allá de los nombres de sus integrantes, que lograron hacerse mucho mas grandes después de esto. Uno de los discos mas indispensables de todos los tiempos.


BONUS ALBUM: Blind Faith (1969)

Tras la separación de Cream, Clapton buscó unir fuerza nuevamente con su buen amigo Steve Winwood (recientemente salido de Traffic) para formar un nuevo grupo. Con las intenciones de un nuevo trío, Eric volvió a llamar a Ginger Baker para que sea el baterista, pero viendo que para el vivo iban a tener que contratar un bajista, llamaron a Rich Grech de Family.
Con el gran Jimmy Miller en la producción evitando que la banda se cuelgue en largos jams, Blind Faith (nombre puesto por la fe que tenía Clapton con este proyecto) se metía a grabar su disco en total hermetismo con la comunidad musical, generando mas expectativas de las que ya tenían.
A pesar de la insolita e inentendible portada con una puber desnuda y un avión con forma de falo (Don't do drugs, boys & girls), el disco fue un suceso descomunal y la gira aún mas, porque el material era muy bueno.
"Blind Faith" no distaba mucho de Cream, de hecho era la misma ecuación. Solo cambiaba a Winwood como voz y compositor principal en vez de Bruce, y se le sumaba mas teclados a su sonido. Eso se puede ver desde el corte inicial "Had To Cry Today", un portentoso blues rock, con Winwood al frente y Clapton metiendo un brillante riff y Baker metiendo esos ritmos extravagantes, ademas de unos espectaculares solos de Eric a lo largo de los casi 9 minutos de tema.
"Can't Find My Way Home" cambia radicalmente la ecuación, yendo a lugares mucho mas Folk, con una dulce voz de Steve y el trabajo acústico de Clapton. Mientras que "Well All Right" es un divertido cover de Buddy Holly, donde la banda rockea y el piano de Winwood se roba todas miradas.
Clapton tiene su momento de lucimiento con su very own "Something" llamada "Presence Of The Lord", un trabajo mas cercano al soul, con pasional performance vocal de Slowhand y uno de sus mejores solos de siempre. En la calida "Sea Of Joy", Rich Grech tiene su momento para lucir con un buen solo de violin, aunque opacado por la performance vocal de Winwood, la mejor del disco. También Clapton deja su destello con lindos riffs y deliciosos punteos.
El disco cierra con el momento de lucimiento de Ginger Baker llamado "Do What You Like", con todos los miembros de la banda cantando y luciendose en un tremendo jam de 15, donde el pelirrojo baterista se llevaría la porción mas grande con un larguisimo solo de batería.
A pesar de todo esto, el grupo se disolvería como un terrón de azucar en el café. La banda no recibiría buenas críticas de sus shows y Eric Clapton se empezaría a frustrar rápido del hype recibido, interesandose mas en sus teloneros Delaney & Bonnie (historia repetida posteriormente por gente como Ritchie Blackmore) y eventualmente disolviendo el grupo para irse de giras con ellos. 
Después de esto, Clapton se embarcaría en una mega exitosa carrera solista, Winwood haría un regreso triunfal con Traffic y Baker fundaría su Air Force donde podría experimentar sin que sus compañeros se cansen de él. Con el tiempo, los 3 reconocieron el impacto del disco y del grupo, la gran banda del rock que no pudo ser.

lunes, 23 de enero de 2017

Análisis de Discografías (De lo Peor a lo Mejor) - Capitulo 10: Aerosmith

Hoy, en nuestro analisis de discografía, viajamos a Boston y nos metemos en la peligrosa y intensa discografía de Aerosmith. Acompañenos en este viaje a traves de los 15 discos que hicieron The Toxic Twins junto a sus laderos de toda la vida lleno de sexo, drogas, excesos y mucho, pero mucho rock and roll.

15°) Just Push Play (2001)

Aerosmith ha sido una banda que conquistó los 70's, los 80's y los 90's con suma improbabilidad y bastante facilidad. Por lo que su primera incursión en el nuevo milenio generó expectativas a ver que lograba hacer, pero los signos de decadencia que vemos hoy se deben a este pobrisimo lanzamiento, que ni siquiera gusta a los miembros de la banda, diciendo que ni siquiera fue grabado con los 5 miembros dentro del mismo recinto.  A pesar de que su tapa se volvió bastante iconica, el material en "Just Push Play" es mas que pesimo. Es Aerosmith tratando de jugar a ser moderno y haciendo un ridiculo penoso, con una producción horrorosa, arruinando las guitarras de Perry y Whitford. El único que se salva es Tyler, que hace una gran labor vocal como de costumbre. Pero no hay una sola canción decente de 50 minutos. Una de las peores cosas que hayan hecho colosos del Rock como los Bostonianos.



14°) Music From Another Dimension! (2012)

El ¿último? disco de Aerosmith terminó siendo una nueva decepción para todos y mas de lo mismo que soportamos hace 20 años.  En una época donde todos los classic acts del Rock sacan discos con energias renovadas, jugando a lo que mejor sabe hacer o innovando mas sabiamente, Aerosmith no cambió un ápice la pésima formula usada en "Nine Lives" y "Just Push Play" y sigue haciendo discos larguisimos, con mas rellenos que temas buenos. A diferencia de JPP y los descoloridos singles que hubo en los 11 años entre álbum y álbum, aquí al menos la banda deja unos pocos numeros memorables.
"Music From Another Dimension!" cuenta con el retorno del gran Jack Douglas en la producción, pero ni así Aerosmith logra recuperar su swag de los 70's o fines de los 80's. Lo que logró la presencia de Douglas es que la banda vuelva a hacer rock en vez de edulcoradas y pésimas baladas, que a pesar de que estan en el disco son las menos. Y por momentos, Aerosmith logra tener chispazos de su vieja magia, como en "Oh Yeah" (pariente lejana de "Rag Doll" y "Love In An Elevator"), el adictivo single "Lover Alot" y las fantásticas "Out Go To The Lights" y "Street Jesus", quizá las mejores canciones de Aerosmith en muchisimos años.
Sería una pena que este disco ultra irregular sea el final de Aerosmith, ojalá antes de decir adios del todo, los Toxic Twins se dignen a cerrar su carrera acorde a su leyenda.

13°) Nine Lives (1997)

Para 1997, Aerosmith era la banda de Rock mas grande del mundo, midiendose con los renacidos Stones o los flamantes Oasis. No era para menos, sus últimos 3 discos habían sido un éxito descomunal y sin precedentes, eran leyendas de la música ya. Por lo que este disco quizá podría haber sido un retorno a sus raíces en vez de seguir con la implacable formula del éxito que venían teniendo. Los de Boston eligieron por no hacer ni una cosa ni la otra y experimentar a medias.
"Nine Lives" es el cielo y el infierno para Aerosmith, mostrando sus últimos grandes momentos y el inicio de sus peores. Es una banda que no sabe que rumbo tomar y termina no haciendo ninguno. Por momentos elige una experimentación con sonidos hindúes/orientales que es lograda a medias (mas destacables "Taste Of India" y el title track que es una pariente lejana de "Young Lust"), a veces son mas convencionales y apuestan lo que mejor le sale (Los geniales singles "Pink" y "Falling In Love (Is Hard On The Knees)) y en partes muestran su mejor cara rockeando duramente ("Something's Gotta Give", "The Farm", "Crash"). Pero el problema son las baladas. Es una sucesión de piezas sosas, sobreproducidas y sin ningun tipo de emoción, por no mencionar el ultra fallido cierra con "Fallen Angel", el intento de Steven Tyler tratando de crear su canción absoluta sin ningún tipo de suceso posible. 8 minutos insoportables. 


12°) Honkin' On Bobo (2004)

EL tan mentado regreso a sus raices de Aerosmith se dio en 2004, pero no como hubieramos querido. La banda decidió hacer un disco de covers sobre sus temas bluseros favoritos  mas un tema original. 
Tal como lo Stones el año pasado, Aerosmith juntó versiones de bluesman de la talla de Willie Dixon, Jimmy Reed, Sonny Boy Williamson, Joe Williams o el querido Peter Green de Fleetwood Mac pero ninguna es realmente memorable o superadora, apenas estan correctas. Para colmo "The Grind", el único original del album, no decía mucho tampoco. No fue malo, pero nadie lo recordará.



11°) Rock In A Hard Place (1982)

Pocos titulos han sido mas adeucados para describir la situación en la que fue concebido un álbum. Rock en un lugar duro/dificil es lo que hacía Aerosmith en 1982. Ya absolutamente nadie (for real) se acordaba de la que alguna vez fue la banda mas grande del mundo hace apenas 4 años, con la salida de uno de los mejores discos en vivo de la historia: "Live! Bootleg".  Lo cierto es que los excesos pasaron por encima al quinteto Bostoniano y cuando no estaban hasta la medulas de drogas no se soportaban. Las internas hicieron que Joe Perry diera un paso al costado en 1979 y que en 1981, mientras se grababa este disco, Brad Whitford saliera del barco para unirse a un proyecto junto al cantante Derek St. Holmes. Con el pobre Jimmy Crespo como único guitarrista, y el semi cadaver de Steven Tyler como fuerza creativa, Aerosmith tenía que sacar un nuevo disco en una nueva década.
"Rock In A Hard Place" a pesar de todos estos condimentos, es un disco rescatable para los de Boston. 
Es Aerosmith sonando a Aerosmith nuevamente y experimentando tibiamente con los sonidos de la época. Y mas importante, es un disco que no tiene la irregularidad o mediocridad de los anteriormente mencionados. Es un disco que cumple a lo largo del tracklist y que es tiene grandes momentos poco valorados como "Lightning Strikes", "Joanie's Butterfly" o el opener "Jailbait". Lamentablemente, el disco termina sintiendo el peso de todo lo bueno que hubiera sido con Perry y Whitford en la alineación y el hecho que no haya ningún clásico lo hizo caer en el infierno del olvido. Pero pocas bandas en ese estado podrían sacar un disco el 25% de bueno que este.



10°) Night In The Ruts (1979)

Es increíble como la realidad de Aerosmith cambió de un año para el otro. Tras sacar el caotico pero genial "Draw The Line" y materializar todos sus excesos en "Live! Bootleg", el castillo de Boston se empezó a desmoronar de a poco mientras preparaban un disco que levantaran las ventas de su anterior disco que "solo" había ido doble platino en los charts. 
El disco tenía que estar para junio bajo el nombre "Off Your Rocker" pero Steven Tyler estaba tan puesto que ni siquiera podía rimar "fire" con "desire", lo cual diluyó el disco y aumentó mucho las tensiones entre la banda, el productor Jack Douglas y las esposas de todos, haciendo que el propio Joe Perry se fuera de la banda en medio de las sesiones finales.
Con Perry afuera, Brad Whitford se hizo cargo de las mayorías de las guitarras del album, con una serie de sesionistas (incluyendo al futuro reemplazo de Perry, Jimmy Crespo y a un frecuente colaborador de la banda en ese entonces como Richie Supa) completando los temas donde Joe no había puesto su firma. Mientras que Tyler terminó rellenó el disco con ideas que tenía y covers de canciones que la banda solía tocar.
"Night In The Ruts" es una especie de retorno de Aerosmith a su sonido primal, mas blusero y stoniano, sacandole la épica y la crudeza de sus anteriores, y es un disco bastante logrado, al igual que su sucesor, donde todo es parejo y donde se encuentran canciones que merecen mayor reconocimiento como la extraordinaria "No Surprize", la adictiva "Chiquita" o la brillante "Three Mile Steele".
"Night In The Ruts" es un muy buen disco, que salió en el momento equivocado y que algún día recibirá el reconocimiento que se merece (reconocimiento solo dado por el bueno de Steven Tyler, quien lo considera su favorito de la banda). Una gran muestra rock blusero como solo Aerosmith podría darnos.


9°) Get A Grip (1993)

La última gran obra de Aerosmith y el último pilar de una reconstrucción descomunal liderada por el gurú de A&M John Kalodner. Aerosmith ya había vuelto a los primeros planos con "Permanent Vacations" y se codeaba con los contemporaneos en "Pump" pero aquí daría un salto superior, al convertirse en leyendas de la música y en la banda mas grande del mundo, 15 años después.
"Get A Grip" baja un poco el listón de lo que venía siendo los discos de Aerosmith tras el comeback de Perry y Whitford, en parte porque empezaban a hacer discos sobrecargados de canciones que a veces sobraban o se pasaban de largas. Pero sus momentos fuertes son brillantes y rankean entre lo mejor de la época.
No solo esos 3 baladones hipermegaarchiconocidos estan en el disco, desde el opener fantastico "Eat The Rich", pasando por el tremebundo title track y las frenetica "Fever" y "Shut Up And Dance", es Aerosmith en lo mejor de su juego. 
Luego estan los hits. "Cryin'" es una power ballad, pero con el toque Aerosmith, con esos guitarrazos heroicos de Joe Fuckin' Perry y la emotiva interpretación de Tyler, "Crazy" que fantasea mas con cosas Coutry y encuentra una magnifica interpretación de Steven en la armónica y "Amazing" que hace caso al titulo, con un epicismo enorme y Joe Perry haciendo el mejor solo de su vida. Y por supuesto, nada de estas canciones estaría completo sin agradecer por darnos a todos estimulación con Alicia Silvestone y Liv Tyler en llamas.
Pero todo "Get A Grip" se reduce a esa obra maestra llamada "Livin' On The Edge", un trabajo electro-acustico donde la banda brilla a traves de distintos tiempos en una dramatica progresión musica, ayudada en arreglos orquestales, el riff de slide de Perry y la performance definitiva de un Tyler enorme.
Imposible que conquiste el mundo en 1993 con un producto malo, por eso los que dicen que "Get A Grip" lo es, no tienen idea del clásico rockero que se estan perdiendo.


8°) Done With Mirrors (1985)

El secreto mejor guardado de la discografía Aerosmithniana.  Tras ultra turbulentos 5 años en los 80's, Aerosmith trataba de reconstruir aquella gran banda que alguna vez supo ser y no un rejuntado de yunkies que a penas podía ponerse de pie. Para 1984, Perry y Whitford retomaron su lugar en la banda y la banda decidió salir en un tour de regreso que fue bastante exitoso pero extremadamente caotico y que las drogas seguían mandando en la banda.
Con el hype de la reunión, Aerosmith logró un contrato en el sello rockero por excelencia de los 80's: Geffen Records y trató de preparar su gran regreso. Para ello, David Geffen les puso al bueno de Ted Templeman, productor de Van Halen y Sammy Hagar, para sacar lo mejor de la banda en esta época. El problema es que Templeman tuvo que lidiar con una banda que no podía tomar drogas sino quería que las sesiones se diluyeran por meses, por lo que tuvo que irse lejos de las costas californianas y grabar en condiciones no tan ideales.
"Done With Mirrors" sufre de esos problemas que le impedieron ser un hit como sus sucesores, pero a pesar de todo sigue siendo un gran disco, con grandes momentos de la banda como la gran "Let The Music Do The Talking" (pieza del Joe Perry Group reversionada a lo Aerosmith), "The Reason A Dog" (canción que anticipaba medianamente el sonido de los discos por venir), "My Fist Your Face" y "Shame On You", cortes bien setentosos, donde incluso la voz de Tyler suena como en esos primeros discos. mientras que "Shela", "Gypsy Boot" y "She's On Fire" son Aerosmith clásico y puro, pero que no lograron el gancho de los hits de lo de Boston.
El regreso del mejor Aerosmith es acá, no en "Permanent Vacations". Todo lo bueno insiniado en los anteriores 2 discos caoticos, ahora toma forma con el aporte vital de Joe y Brad en las guitarras.


7°) Draw The Line (1977)


Haciendole honor a su año de salida, "Draw The Line" es quizá el disco mas caoticamente grabado de todos los tiempos. Para empezar, ninguno de los 5 miembros de Aerosmith recuerda mucho o nada de la grabación o preparación del mismo. Pero según el relato de Jack Douglas, la banda grabó canción entre picadas dentro de la cada donde grabaron, disparando al aire, con drogas por absolutamente todos los poros y muchisimas groupies.
Cuesta creerlo, pero "Draw The Line" terminó siendo un disco brillante. Es Aerosmith expandiando un poquillo su sonido de rock, blues y boogie con tufillos semi funkys. O al menos sonando menos crudos que en "Rocks". El title track sin embargo, es Aerosmith puro, con sus enrabiado riff y una demencial performance de Steven Tyler, en su mejor momento vocal.
"I Wanna Know Why" y "Critical Mass" es un Aerosmith mucho mas eleganton, mas en el estilo de "Same Old Song And Dance" o de aquellos hits multitaquilleros de los 80's, mientras que "Get It Up" vuelve a los Aero vacilones y blusero, con el abrasivo Slide de Perry como protagonista.
Joe es quien se encarga de tomar el mic en la siguiente "Bright Light Fright", su primer tema como vocalista solista en la banda (explicando un poco el estado de Tyler que no la grabó), pero en la siguiente Joe se ausenta para dar paso a la gema del disco: "Kings And Queens" es la mejor balada que la banda hizo después de "Dream On", es Steven Tyler en su performance definitiva como vocalista, son los arreglos épicos  y son los tremendos solos de Brad Whitford que te erizan la piel. Una canción perfecta por donde se la mire.
El cierre con "The Hand That Feeds" (subvalorada pieza con gran bassline del bueno de Tom Hamilton), al ultra funky "Sore Fore Those Eyes" (incluyendo un gran duelo guitarrero entre Brad y el Fuckin' Perry) y el agradable cover "Milk Cow Blues" cierra un disco que pudo ser enormemente desastroso y pésimo, pero que el momento compositivo que atravesaba la banda lo salvó y lo puso entre los mejores esfuerzos del grupo.




6°) Aerosmith (1973)

Tras mucho patear en clubes de mala muerte de su Boston natal, Aerosmith lograba conseguir un contrato con Columbia Records para grabar su disco debut.
Fundado en 1970, el quinteto había desarrollado un sonido basado en el blues y el hard rock, pero con una entrega mas garagera.
Escrito principalmente por Steven Tyler, el debut de la banda no es perfecto, pero siembra los cimientos para lo que será Aerosmith en un futuro. El sonido de guitarras de Joe Perry y Brad Whitford ya estaba ahí y el estilo vocal de Tyler se asoma tibiamente. Ademas esa base rítmica machacona y semi funky que formaban Joey Kramer y Tom Hamilton ya se hacía sentir y marcaba diferencia de las bandas de rock salientes de la época (unos tales Queen, KISS, Montrose...). Así y todo, Aerosmith no encontraba su sonido, era mas bien una mezcla entre los Stones, la suciedad de los Faces, el desparpajo de los New York Dolls y el blues mas crudo de Led Zeppelin.
Pero los de Boston tenían claro que querían rockear y rockearte .
"Make It" es la presentación soñada, "Somebody" es hard rock setentoso de manual, "One Way Street" es un lindo ejercicio de Blues, con Tyler luciendose en la armónica, mientras que "Write Me A Letter" es un pequeño Boogie Rock que podría haber sido puesto en los primeros discos de AC/DC, al que le sigue la joya perdida de este disco: "Movin' Out", un salvaje y contundente ejercicio del mejor blues rock americano.
Pero si por algo es recordado este disco es por tres clásicos absolutos de la banda: El brillante cover de "Walkin' The Dog", la pivotal "Mama Kin" (el primer tema Aerosmith puro de la historia) y por supuesto, "Dream On", la canción iconica de la banda, la obra que haría pasar a Steven Tyler como uno de los mas grandes compositores de todo.
El debut de Aerosmith pasaría sin pena ni gloria por los charts e incluso las crítica, pero por suerte tendría gran reconocimiento cuando la banda lograra el suceso unos años después.



5°) Permanent Vacation (1987)

Tras el fallido intento de regreso con el muy bueno pero malo comercialmente "Done With Mirrors",  David Geffen quería hacer valer su dinero y puso a su amigo John Kalodner, de A&M, a tratar de domar las fieras. Kalodner mandó a la banda a rehabilitación y los obligó a quedarse hasta que estuvieran completamente limpios. No solo eso, sino que cuando volvieron de la rehab (En el interin, tuvieron un teaser del éxito con el crossover entre los Toxic Twins y Run DMC para una nueva versión de "Walk This Way"). El siniestro pero sabio barbudo les puso a Bruce Fairweather en la producción, responsable del ultra exitoso "Slippery When Wet" de Bon Jovi, y los obligó a trabajar con especialistas en hits como Desmond Child y Jim Vallance, quienes ayudan y componen el grueso del disco con Tyler y Perry, reduciendo a casi labores de sesionistas de lujo a Whitford, Hamilton y Kramer.
A pesar de que les podría haber destruido la esencia, la movida de Kalodner salió magistral y los Bostonianos lograron congeniar su sonido con el toque mágico de los compositores invitados.
"Permanent Vacation" es un discazo espectacular de punta a punta. Es un disco de los Aerosmith de los 70's traído con el sonido justo para romperla en los 80's.
La producción no es pastiché, sino que es perfecta, con un sonido tremendo a lo largo del disco, destacando las baterias de Joey Kramer, reales estrellas no reconocidas de esto (credito al ingeniero de sonido Bob Rock).
Pero no estaríamos hablando de regreso a la gloria sino fuera por los hits y si que los tiene este disco. Porque "Rag Doll" es una demencial canción que revive al mejor Aerosmith, al sensual, al divertido, al que rockeaba con detalles bluseros. Porque "Dude (Looks Like A Lady)" es una hilarante burla a los artistas contemporaneos, quienes lo tenían como héroes y no le iban a decir nada y porque "Angel" es uno de esos baladones brillantes de Aerosmith de los 70's, adaptado a las Power Ballads de ahora, pero sin los cliché y cursilerias, puro feeling.
Y ademas de los 3 monstruo, Aerosmith se dedica a rockear a lo largo del disco con maravillas como "Heart's Done Time", "Magic Touch" o el title track y explora su costado bluesy con "St. John" y "Hangman Jury" o hay tiempo para jugar con el funk en "Girl Keeps Coming Apart".
Pocos regresos en la historia de la música pueden compararse con este, pero lo mejor es que solo fue el comienzo.



4°) Pump (1989)

La mayoría de las bandas de los 70's que lograron recuperarse en los 80's, solo buscaron estabilizarse, no fueron a buscar lo que habían sido. Aerosmith no lo encaró así, ellos fueron a disputarle el trono a los Bon Jovi, Mötley Crüe y Guns 'N' Roses y lo lograron con creces.
"Pump" es el disco que pone en la cima del mundo a Aerosmith nuevamente. Porque es un disco con un sonido demencial, porque tiene los riffs memorables, los solos época y los GANCHOS. Todo en "Pump" es brillante y pegadizo. Es un disco diabolicamente hecho para lograr gustar y vender, y así lo hizo. Por si faltaba mas, los 5 Aerosmith estan en un nivel apoteosico en todo el disco, brillando cada uno en lo suyo.
En definitiva, "Pump" es un disco que tiene temazo tras temazo. "Young Lust" es una pieza acelerada ideal para abrir disco, como las que gustan al grupo. "F.I.N.E." es Aerosmith puro, un rocker adictivo que sirve de aperitivo para la magnanima "Love In An Elevator", un clásico instantaneo de la banda, con un estribillo matador, la melodía ideal para reventar estadios y un duelo de solos épico entre Joe y Brad, mientras Joey Kramer azota su kit. "Monkey On My Back" remata el extasis rockero con un contudente riffeo y un espectacular Steven Tyler.
El disco va alternando entre numeros mas gancheros e irresistibles como "The Other Side" o cosas mas bluseras con vena zeppeliana como "Voodoo Medicine Man", pero lo que termina resaltando son los medio-tiempos baladas, los puntos mas altos del arco. "What It Takes" es una descarnada balada semi-acústica con una performance inmejorable de Steven Tyler, dejando todo y por supuesto, "Janie's Got A Gun", un himno con toda las letras, con es e bajo de Tom Hamilton tremendo, el comienzo sinuante y que te va metiendo en clima hasta el dinamico puente que desemboca en un emotivo estribillo para gritar hasta perder el sistema respiratorio.
John Kalodner lo había logrado. Había convertido a 5 yonquis en los reyes del mundo y que el dinero de David Geffen fuera una inversión impresionante. Muy pocas bandas en el mundo pueden jactarse de tocar este nivel 2 veces en su carrera.



3°) Get Your Wings (1974)

Hablando de nombres bien puestos a los discos, en su 2do disco Aerosmith encuentra sus alas para tomar vuelo y consagrarse como una de las grandes bandas del mundo. Aquí Aerosmith encuentra su sonido y su estilo con un puñado de canciones que se volverían clásicos instantaneos.
Pero antes, la genesis de esto: Tras grabar su debut, toda la banda estaba muy insatisfecha con el sonido del disco, con su pobre desempeño en ventas y con el nulo interes de la crítica en reseñarlo. Aunque alguien si que compró el disco, lo escuchó y le gustó, ese fue el señor Jack Douglas, alumno del gran Bob Ezrin, ya por entonces celebre productor de Alice Cooper. Douglas le insistió a su maestro que produzca a nuestro héroes de Boston, pero Ezrin se negó y le dijo que si quería podía ir a producirlo, el solo supervisaría el trabajo.
Este maridaje entre Aerosmith y Douglas dio lugar a alguno de los mas grandes momentos del rock mundial, como es el opener "Same Old Song And Dance", uno de los mas grandes temas que hayan compuesto los Toxic Twins, con su adictivo rítmo, la melodía pegadiza y un excelente solo de saxofón que llena de elegancia a la banda. 
"Lord Of The Tighs" es un tema trepidante, con un riff raro para el catalogo de la banda y un Tyler que canta como si formara parte del soundtrack de "Taxi Driver" para luego vayan a full Aerosmith con un gran solo de Perry en el final.
"Spaced" muestra lo enorme bajista que es Tom Hamilton, mientras que "Woman Of The World" es la gema escondida del disco, con un gran trabajo de las guitarras. "S.O.S. (Too Bad)" es Aerosmith en estado puro, un gran ejemplo de lo que es la banda rockeando.
Y llegamos al maravillo sprint final del disco. El cover de los Yardbirds de "Train Kept A Rollin'" que los de Boston se lo adueñan haciendo una primera parte mas groovy (con descomunal trabajo solista por parte de los invitados Dick Wagner y Steve Hunter) para que luego todo Aerosmith termine brillando en una 2da parte mas intensa y arrolladora, donde Perry y Whitford le sacan chispas a sus Les Paul.
"Season Of The Withers" es la gran balada olvidada del catalogo del grupo. Un comienzo que te traslada a una noche fría y solitaría para que un berrido de Tyler te lleve a la canción principal con un rítmo oscuro y misterioso (ejem, Grunge anyway?) mientras Steven canta con una voz rasposa y tenebrosa y el solo entra erizando al oyente.
El disco cierra con "Pandora's Box", el primer aporte del bueno de Joey Kramer a la banda. Un rocker subvalorado en su catalogo, mostrando su amor por los Stones con un toque glam de los T. Rex de Marc Bolan, donde las crujientes guitarras  acompañan perfectamente con el pianito y los vientos de fondo.  Aunque quizá no la hubiera puesto de cierre, sino por el medio, para cerrar con la balada, cosa que luego la banda haría brillantemente en los siguientes discos que analizaremos.



2°) Rocks (1976)

A pesar de lo insólito que suene hoy en día, todavía hay sub-humanos que osan descalificar a Aerosmith, y por tanto gente que nunca escuchó este disco. Todo el Rock americano de aquí para abajo fue influenciado por este álbum: Desde Van Halen, pasando por Mötley Crüe, Metallica, Guns 'N' Roses y llegando a Nirvana.  Todos citaron a Aerosmith y a este disco como de vital importancia en su carrera, y ya veran por qué.
"Rocks" es Aerosmith en su formato mas crudo, rockero y pesado. Fue "Appetite For Destruction" 11 años antes, y mejor. Porque los 5 estaban en un momento brillante y la dupla Tyler/Perry atravesaba su mejor momento compositivo.
"Back In The Saddle" es el mejor opener posible, con el mejor Tyler y un riff que excitaría a toda persona que lo escuche. Y se le pega la genial "Last Child", uno de los grandes aportes de Brad Whitford a la banda, con ese riff saltarína y las hilarantes melodías. "Rats In The Cellar" cierra el ataque inicial a toda velocidad, con un trabajo demencial de Joey Kramer en la batería. 3 clásicos instantaneos para arrancar el album. Tranqui.
"Combination" vendría a ser la "Happy" de Aerosmith, donde Perry y Tyler comparten el microfono y que sigue siendo el gran highlight de Joe como vocalista en la banda. Incluso tiene un ritmo medio Stoniano. "Sick As A Dog" es el aporte de Tom Hamilton al album, otro clásico de la banda, con un riff de guitarra bien al estilo Glam y una melodía vocal brillante. Y ahí es cuando llega la mejor pieza del disco: "Nobody's Fault", otra vez Whitford brillando en la composición y sacando el sonido mas crudo y pesado posible de la banda. "Nobody's Fault" es la fiel representación del peligro que era la banda y su vida en 1976, la interpretación de Steven Tyler es una de las mejores de todos los tiempos y los solos de Whitford son erizantes, como si tocara el solo con vidrios cortados. Simplemente descomunal.
"Get The Led Out" recupera el groovy funky con un bajo juguetón y las aceitosas melodias de Tyler, mientras que "Lick And A Promise" recupera el ritmo acelerado al mejor estilo rock and roll potenciado por el estilo sucio de los Bostoneanos.
El disco cierra con la balada de turno, "Home Tonight", donde tras una intensa introducción, Steven Tyler se desnuda tocando solo el piano con una descorazonada performance vocal, arropado por el cálido guitarreo y ritmo de sus compañeros (y un solo épico de Joe). 
Quizá "Rocks" sea el disco mas importante del rock americano, el mas influyente y decisivo casi sin dudas. Pero el mejor de Aerosmith estuvo un año antes y es este que le sigue en nuestro post.


1°) Toys In The Attic (1975)

Si Aerosmith es una banda legendaria de la música y la mas grande de los Estados Unidos, es por este disco que se convirtieron en superestrellas internacional. Es el disco que mejor captura su esencia y que encima son todos temazos memorables y los mejores que ha producido el grupo de Boston en su carrera.
"Toys In The Attic" nos muestra las distintas facetas de Aerosmith integrando el sonido caracteristico de la banda: El Hard Rock Zeppeliano, el Rock Stone, el tufillo funky, esos destellos glam, su blues elegantón y divertido, y baladas emocionantes.
El disco arranca a todo trapo con el title track, un ejercicio de rock and roll desbocado casi proto punk y un gran opener del conciertos, para enloquecer a la monada. Le sigue la brillante y subvalorada "Uncle Salty", un gran ejercicio blusero Aerosmithniano con emocionante performance de Tyler, que es rematado con mi favorita personal del grupo: "Adam's Apple", el Tyler mas cock rocker y un trabajo de slide memorable por parte de Joe Perry.
Y ahora viene lo grande de verdad porque llega "Walk This Way", su propia "Satisfaction", su "Whole Lotta Love", la canción que los llevaría a la cima del mundo con solo uno de los mejores Riff de la historia, con ese aroma funky que caracteriza a la banda. Un clásico enorme del rock. Y tras el simpatico cover de "Big Ten Inch Record", donde la banda rockea al estilo Stone en el lado A del primer CD de "Exile On Main St.", te tiran su otro gran clásico: "Sweet Emotion", una canción mas compleja pero igual de especifica, con esa bassline iconica de Tom Hamilton, el talkbox del Fuckin' Perry, el eterno "Sweeeeeeeeeeeeeeeeeeeet Emoooooooooooooooooooooootiooooooooooooonssss" de Tyler y ese final a puro riff y solo descomunal. Una obra maestra de la música.
La parte final del disco trae laas obras mas infravaloradas del catalogo de los de Boston: "No More No More" es el hitazo que no fue. Todo lo que representa el sonido Aerosmith en una sola canción. "Round And Round" es el aporte de Brad al disco y muestra que la banda podía ser tan heavy y oscura como Black Sabbath si se lo proponía, una verdadera joya.
Y el cierre está a cargo de nuevo de la balada, la encantandora "You See Me Crying", otra vez Steven y su piano dando una conmovedora performance, pero mas coqueta que otras baladas del grupo, con orquesta, viento y un solo muy lindo de Joe Perry tras un pasaje de Tyler cantando a voz pelada.
¿Quieren saber como es el Rock en Estados Unidos? Es así, como en "Toys In The Attic".



jueves, 19 de enero de 2017

Análisis de Discografías (De lo Peor a lo Mejor) - Capitulo 9: Rainbow

Retomamos nuestra tarea de analizar sesudamente las discografía de las grandes bandas que han pasado por este blog. Esta vez toca el turno de entrar al mundo fanstastico de los Rainbow de Ritchie Blackmore y sus multiples etapas. Acompañenos en este camino de fantasias, hadas, dragones, castillos, AOR y Graham Bonnet a lo largo de los 8 discos del Arcoiris del Richar.

8°) Bent Out The Shape (1983)

El último disco de Rainbow en la era Turner es un disco que peca de comercial. Tras haber logrado conquistar Estados Unidos, Blackmore decidió acentuar el AOR en el grupo con mas baladas y piezas melodicas que los rockers por los que se caracterizó toda su carrera. Si bien en ocasiones funciona magistralmente como "Can't Let You Go" y "Street Of Dreams", la falta de Roger Glover en la composición se termina notando ya que Turner apenas podía escribir letras decentes. Sin embargo, los momentos mas fuertes son cuando Blackmore se dedica a rockear con la banda atras como en "Stranded" o "Drinking With The Devil". Inteligente como es, Ritchie vio que la naranja ya no daba jugos y meses después disolvería la banda para retornar a Deep Purple.



7°) Difficult To Cure (1981)

Tras encontrar la line-up que según él hubiera sido tan grande como Led Zeppelin, Ritchie Blackmore vio como su sueño de conquistar America se desmoronaba cuando Cozy Powell se alejaba de la banda por los tintes comerciales que había adoptado y cuando se cansó de soportar al bueno de Graham Bonnet y su ebriedad y lo hizo salir del grupo en plenas sesiones de este album. Con Bobby Rondinelli en la batería, Blackmore y Glover encontraron el reemplazo a Bonnet: Joe Lynn Turner, el vocalista de Fandango, que tenía un registro simil al de Lou Gramm de Foreigner y a Paul Rodgers, una de las obsesiones del Man in Black. 
La movida terminó saliendo bastante bien, ya que Rainbow consiguió nuevo suceso en USA con otro cover de Russ Ballard "I Surrender". Pero el disco en sí carece de momentos fuertes y la producción suena muy mal añejada, de hecho solo destaca en los singles "Can't Happen Here" y "Spotlight Kid" (la mejor canción de la era Turner). También hay instrumentales innecesariamentes largos, insostenible para un disco que busca conquistar el mercado (Por mas buena e iconica que sea la relectura que hicieron Blackmore y Airey de la 9na sinfonía de Beethoven). Quizá con Bonnet hubiera sido un gran disco y la idea sería otra, pero el material ya no era tan bueno como en "Down To Earth".



6°) Straight Between The Eyes (1982)

Tras lograr unos cimientos gracias a "I Surrender", Blackmore y Rainbow estaban dispuestos a lograr conquistar el mercado americano con su siguiente año. Suplantando a Don Airey con el genial David Rosenthal en los teclados, la Era Turner encuentra su pico de rendimiento en su 2do disco.
"Straight Between The Eyes" es el disco donde Blackmore logra rockear, generar apatía comercial y mantener el sonido con el que creo Rainbow. Todas las canciones suenas ajustadas y precisas, sus riffs son matadores y está en un momento monumental para los solos. Canciones como "Death Alley Driver", "Tearin' Out My Heart", "Power" o "MISS Mistreated", estan entre las mejores canciones de la banda, encima "Stone Cold" fue un enorme suceso en los charts, logrando por fin el anhelo de Blackmore de volver a ser una estrella en America. Seguiría exitosisimos tour, los cuales Blackmore usaría de trampolín para el retorno de Deep Purple en 1984,




5°) Strange In Us All (1995)

El último disco hasta la fecha de Rainbow, encontraba a nuestro héroe de negro saliendo de Deep Purple tras una insostenible pelea con Ian Gillan y reformando su antigua banda con totales desconocidos como Greg Smith al bajo, Paul Morris a los teclados, John O'Reilly a la batería y Doogie White como cantante, ademas del agregado de su flamante esposa, Candice Night como corista.
Aquí Blackmore no persigue el sonido comercial (no tenía sentido ya que estaba en plena época del Grunge), por lo que decide usar el sonido mas clásico de Rainbow, aunque con la épica mas liviana que en la época de Dio. El resultado es espectacular: Ritchie está en llamas todo el disco, metiendo riff, licks, solos y guitarrazos espectaculares, realmente memorables. Doogie White hace un muy buen trabajo en el disco, dotando de frescura a unas canciones que lamentablemente no han alcanzado el status que merecen en el colectivo imaginario como es el caso de "Black Masquerade", "Ariel", "Hunting Humans (Insatiable)" o "Stand And Fight"
Tras el album llegarían 2 años de tour mundial, un fallido intento de reunión de la alineación con Dio y Powell y el recluimiento de Blackmore por casi 20 años en su proyecto renacentista "Blackmore's Night". Será este el último disco de Rainbow? La nueva reunión no parece dar indicios de nueva música, pero si Ritchie es algo, es impredecible. Cruzemos los dedos.



4°) Down To Earth (1979)

Si hay algo que no le sobra a Ritchie Blackmore son personas que lo aguanten por mucho, o que el tolere por mucho. Por eso no es de extrañar que Ronnie James Dio se fuera de Rainbow a 4 años de fundarse. Blackmore ya había apuntado al mercado americano como su prioridad y quería mover a la banda a un rock mas derecho y melodico, sacandole la épica de sus anteriores 3 discos. Eso molesto al pequeño gigante y pegó el portazo. De paso, para no perder la costumbre despidió a los pobres Bob Daisley y David Stone y al eterno productor Martin Birch. Amigandose con Roger Glover, lo trajo para producir el nuevo album y ayudarlo a componer el nuevo material. Tras ofrecerle a Ian Gillan el puesto, Blackmore terminó aceptando a Graham Bonnet como cantante a pesar de no gustarle para nada su manera de lucir, ya que tenía una voz de otro planeta. Con Don Airey ocupándose de los teclados y Glover agarrando el bajo de nuevo (tras un desfile de bajistas torturados por RB), Rainbow se había armado un line-up soñado para conquistar el mundo. 
"Down To Earth" fue un gran suceso en Europa y logró tener un mínimo impacto en America gracias a su sonido mas directo y menos místico. Canciones como "All Night Long", "Danger Zone" o "Makin' Love" son muestras del sonido que quería lograr Blackmore, pero también hay arrebatos del viejo Rainbow en "Eyes Of The World" o "Lost In Hollywood" y un detour blusero e intimista en "Love's No Friend", pero lo que logra cambiar el juego es el cover de Russ Ballard "Since You've Been Gone", el pie fundacional de la banda en America y el grna legado de Graham Bonnet en la música, con una performance arrasadora.
La Mk IV de Rainbow no duraría mucho mas que aquella gran actuación en el Monster Of Rock de 1980, pero dejaría una gran huella en la banda.



3°) Ritchie Blackmore's Rainbow (1975)

La Mk III de Deep Purple fue un suceso demencial de ventas y crítica, pero Ritchie Blackmore ya no toleraba a sus nuevos compañeros. Mas precisamente, no toleraba a Glenn Hughes y su influencia de música negra que puso en la banda y que cada vez se hacía mas presente, desterrando el poderio de riffs que el hombre de negro amaba. La gota que rebalsó el vaso fue que vetaran un cover que quería poner el Richar en "Stormbringer". Tras no poder hacer echar a Coverdale y/o Hughes, Blackmore anunció su salida tras la culminación del tour. Ritchie intentó llevarse a Coverdale con él, pero tras fracasar fijó sus ojos en la banda telonera de Purple hace unos años, ELF, con un talentoso cantante llamado Ronnie James Dio. El guitarrista purpura LITERALMENTE echó al guitarrista de ELF y agarró a Dio, el teclista Micky Lee Soule, el bajista Craig Gruber y el baterista Gary Driscoll para grabar un proyecto solista, componiendo junto a Ronnie.
"Ritchie Blackmore's Rainbow" tiene una gran cantidad de clásicos del Rock y de la banda como "Man On The Silver Mountain", "Catch The Rainbow", "Temple Of The King" o "Sixteenth Century Greensleeve", mas gemas como "Self Portrait" o el tan mentado cover "Black Sheep Of The Family". Pero el disco sufrío de una producción poco lucida que se notaría mas con los siguientes discos, ademas de no tener una banda muy a la altura de lo que buscaba Blackmore, donde el sonido sería demoledor.





2°) Long Live Rock 'N' Roll (1978)

Tras despegar gracias a su disco "Rising", Rainbow conquistaba el mercado Europeo y se hacía muy grande en el Reino Unido, por lo que trataría de afianzarla y buscar un poco el otro lado del charco en su 3er disco. Ya sin Jimmy Bain en el equipo (despedido porque Blackmore lo consideraba mediocre), Mark Clarke, ex Uriah Heep, se puso el buzo de nuevo bajista. El estilo fingerpicking de Clarke molestó bastante a Ritchie quien lo echó poco después de iniciar las sesiones y decidió grabar el mismo el bajo, excepto por 4 canciones donde contrataría al bueno de Bob Daisley para que grabara las 4 cuerdas. En los teclados, el sufrido Tony Carey recibía decenas de despidos diarios por parte de Blackmore hasta que un buen día fue definitivo y tras una larga busqueda, su puesto y el resto del trabajo cayó en cargo del no menos sufrido David Stone.
 "Long Live Rock 'N' Roll" es un disco mas directo que "Rising" y mas poderoso que el debut, reuniendo lo mejor de dos mundo, con actuaciones estelares de Dio, Blackmore y Cozy Powell, pero el disco se termina diluyendo al final con las 3 canciones menos destacables (aunque no dejen ser buenas), pero sus puntos fuertes son clásico invaluables del Metal como el title track, "Kill The King" y un romance de Blackmore con la cultura arabiga llamado "Gates Of Babylon o gemas como "L.A. Connection" o "Lady Of The Lake". Es el perfecto puente entre el Rainbow que amamos y el Rainbow que se hizo conocido.



1°) Rising (1976)

Luego de sacar su debut, de tener un razonable éxito y ver que había potencial, Blackmore despide a toda su banda excepto al cantante Ronnie James Dio y se arma un verdadero dream team para secundar en lo que ya era el grupo oficialmente conocido como Rainbow. El bajista Jimmy Bain, el talentosisimo tecladista Tony Carey y el ex baterista del Jeff Beck Group, Cozy Powell armaron la line-up y armaron en Londres uno de los albums mas sublimes y vitales de la historias.
"Rising" no solo es el techo musical y compositivo de Ronnie James Dio y Ritchie Blackmore, es el disco que redefinió el Heavy Metal y el Hard Rock, el que cambió el juego a algo mucho mas grande y que no pudo volver a ser igualado. Blackmore ya había logrado tocar el cielo con "Machine Head" y "Burn", pero acá estaba aún mas arriba.
"Tarot Woman" hizo las veces de opener demoledor, al estilo "Highway Star" y "Burn", dejandole lugar de lucimiento a Carey con una intro de Moog impresionante, que se fue perdiendo en el riff de Blackmore y en la descomunal actuación de Ronnie James Dio, ya formando su leyenda.
"Run With The Wolf" daba camino a algo mas blusero y que venía mas del trabajo de la Mk III de Purple (y que suena a una canción de Whitesnake), minetras que Starstruck es el track machacón y clásico instantaneo que Blackmore firmaba en cada disco. "Do You Close Your Eyes" es extrañamente simple, que podría haber sido firmada por AC/DC, pero con la potencia y epicismo que le daba Powell y Dio con sus instrumento.
Y aquí está la papa. "Stargazer" es quizá la mejor canción de la historia después de "Bohemian Rhapsody". No hay canción en el mundo que suene tan grandiosa e imponente como ella, ni siquiera Kashmir. Es la entrada inolvidable de batería de Cozy Powell, es el riff sismico de Ritchie y Carey con el Hammond, es el bajo de Jimmy Bain que late como el corazón de cada ser vivo, es la performance vocal de Ronnie James Dio, un rugido modulando bestialmente durante 8 minutos y medio y generando cotas de emoción y dramatismo mas allá del goosebumps, es el solo de Blackmore, quizá el mejor que haya hecho y es el final donde todo llega al summum y sentis que alcanzas el Nirvana.
Por si no fuera suficiente, "Rising" cierra con "A Light In The Black", un ejercicio de proto Thrash Metal con toda la banda con el pedal a fondo y batiendose en un duelo instrumental tremebundo. Rainbow fue breve e intermitente, pero su huella quedó indeleble en la historia del rock y la música, en parte por las 6 canciones que componen este disco.